Cineclub Raíces

2010-11-23T05:34:00.000-08:00

Viernes 26 de noviembre
20 horas
Con la presencia del protagonista del documental Dr Néstor Oliveri

Proyecta
Cuento Chino, clasista y combativo
(2010)
de Pepe Salvia

Cuento chino, clasista y combativo es un documental acerca de un médico que, desde su humilde sala de salud, ubicada en la periferia de la Matanza, ha creado un sistema médico que, apoyado en los recursos humanos del barrio y casi sin apoyo estatal, logra dar cobertura a miles de personas. A su vez, El Chino es un revolucionario que encontró su lugar en el mundo, que cree que la lucha es constante e inclaudicable, que ama profundamente a sus semejantes y que sabe que su vida carecería de sentido sin estar totalmente jugado por lo que cree.

Entrada a la Gorra
http://cineclubraices.blogspot.com/
Invita Grupo Documental 1º de Mayo

Agrelo 3045
entre G. Urquiza y La Rioja
(a 5 cuadras de Pza. Once)

Dr. Norman Bethune de Philip Borsos

2010-11-20T04:59:00.001-08:00

Sinopsis

Dr. Norman Bethune luchó toda su vida por defender sus ideales y liberar a su país de la corrupción. Su lucha lo llevó a unirse a las fuerzas de Mao Tse Tung y pelear contra el ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial y a involucrarse en la Guerra Civil española. Pero en el proceso su vida privada y familiar sufrió graves altibajos que muchas veces terminaron en tragedia.

Entrada a la Gorra
http://cineclubraices.blogspot.com/
Invita Grupo Documental 1º de Mayo

Agrelo 3045
entre G. Urquiza y La Rioja
(a 5 cuadras de Pza. Once)

Casas de fuego de Juan Bautista Stagnaro

2010-11-11T06:23:00.000-08:00

Sinopsis

Película inspirada en el caso real del médico argentino Salvador Mazza, que dedicó su vida a la investigación del Mal de Chagas en el norte argentino.

Proyección 12 de noviembre a las 20 horas

Centro Cultural Raíces

Agrelo 3045 (entre Gral Urquiza y La Rioja)

a 5 cuadras de Plaza Once

El chiste de la semana

2010-11-05T17:57:00.000-07:00

Ciclo de cine y salud

2010-11-05T17:36:00.000-07:00

Viernes 12 de noviembre
Casas de fuego
(1995)
de Juan Bautista Stagnaro

Película inspirada en el caso real del médico argentino Salvador Mazza, que dedicó su vida a la investigación del Mal de Chagas en el norte argentino.

Viernes 19 de noviembre
Dr Norman Bethune
(1989)
de Philip Borsos

Dr. Norman Bethune luchó toda su vida por defender sus ideales y liberar a su país de la corrupción. Su lucha lo llevó a unirse a las fuerzas de Mao Tse Tung y pelear contra el ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial y a involucrarse en la Guerra Civil española. Pero en el proceso su vida privada y familiar sufrió graves altibajos que muchas veces terminaron en tragedia.

Viernes 26 de noviembre
Cuento Chino, clasista y combativo
(2010)
de Pepe Salvia

Cuento chino, clasista y combativo es un documental acerca de un médico que, desde su humilde sala de salud, ubicada en la periferia de la Matanza, ha creado un sistema médico que, apoyado en los recursos humanos del barrio y casi sin apoyo estatal, logra dar cobertura a miles de personas. A su vez, El Chino es un revolucionario que encontró su lugar en el mundo, que cree que la lucha es constante e inclaudicable, que ama profundamente a sus semejantes y que sabe que su vida carecería de sentido sin estar totalmente jugado por lo que cree, aunque en el fondo intuye que el triunfo es improbable.O para decirlo de una manera mas exacta, entiende que el solo hecho de intentarlo implica un triunfo.

Entrada a la Gorra
http://cineclubraices.blogspot.com/
Invita Grupo Documental 1º de Mayo

Agrelo 3045
entre G. Urquiza y La Rioja
(a 5 cuadras de Pza. Once)

Un recurso que cruza fronteras

2009-05-12T12:34:00.000-07:00

Investigadores de la UNL estudian para la UNESCO siete acuíferos subterráneos que Argentina comparte con países vecinos. Su trabajo se articuló con colegas de todo el mundo para elaborar el primer mapa mundial de reservas de aguas subterráneas editado en 2008.
En todo el mundo se identificaron hasta el momento unos 273 acuíferos transfronterizos, de los cuales 68 están en el continente americano. Siete de estas reservas subterráneas de agua dulce son compartidas entre Argentina y sus países vecinos. “Hasta ahora hemos identificado siete, pero se sigue trabajando”, explicó la Dra. Ofelia Tujchneider, investigadora de la Universidad Nacional del Litoral (UNL), que actúa como punto focal en Argentina para la UNESCO en su Programa de Gestión Internacional de los Recursos Acuíferos Transfronterizos.Que un recurso tan valioso como el agua atraviese las fronteras de distintos países ya representa un desafío para lograr implementar una gestión sustentable, pero cuando se suma el hecho de ser acuíferos subterráneos, el desafío se redobla
Argentina y sus vecinosLos investigadores de la Facultad de Ingeniería y Ciencias Hídricas (FICH) de la UNL definieron la existencia de siete acuíferos subterráneos transfronterizos en el territorio argentino.De estos acuíferos, el Guaraní es el de mayor tamaño y también el más estudiado por los países que lo comparten: Argentina, Brasil, Paraguay y Uruguay. Dentro de la enumeración, Tujchneider destacó el acuífero Puneño, que compartimos con Bolivia y, probablemente, también con Chile. “Debemos profundizar los estudios, porque se trata del recurso de agua dulce en una de las áreas más áridas del mundo”, recalcó.Además, Argentina cuenta con el acuífero subterráneo transfronterizo más austral del mundo, El Condor, que compartimos con Chile. Completan la lista los acuíferos el Yrenda-Toba-Tarijeño (compartido con Paraguay y Bolivia), el Serra Gerai (que ocupa territorio argentino, uruguayo y paraguayo), el Litoral Cretácicos y el Salto-Salto Chico, estos últimos compartidos con el Uruguay.
Gestión del recurso“En América del Sur tenemos muchos recursos hídricos superficiales que son transfronterizos, es decir, ríos que nacen en un país y que atraviesan otro. Esto constituye una situación especial a partir de la cual los países han trabajado para manejar esta situación de las aguas transfronterizas”, indicó Tujchneider.Según continuó explicando, en el caso de las aguas subterráneas el tema es un poco más sutil porque es agua que no se ve. Primero hay que identificar los sistemas de aguas subterráneas y determinar que efectivamente son transfronterizos y eso es algo que se está haciendo muy recientemente.Desde la UNESCO se elaboró, junto con el mapa mundial de reservas de aguas subterráneas, una resolución por la cual insta a los países a acordar una administración conveniente del recurso. El objetivo es prevenir, reducir y combatir la contaminación para proteger los sistemas de aguas subterráneas en cantidad y calidad“Pero también se trata de garantizar la protección y la buena gestión de los recursos para el beneficio de los pueblos y evitar cualquier tipo de conflicto. Si no hay mecanismos adecuados de gestión concertada, puede haber problemas de contaminación, explotación extensiva por parte de alguno de los países que comparten el agua y eso puede dar lugar a situaciones de conflicto”, detalló la experta.“Nosotros tenemos experiencia en el área y somos ejemplo con lo ocurrido en el acuífero guaraní, donde los cuatro países han dado muestras de la necesidad de convenir la gestión sustentable del acuífero”, comentó Tujchneider.Lo mismo puede decirse de los recursos hídricos superficiales, como el tratado de la cuenca del plata que celebró Argentina. “Incluso en momento de desencuentro entre los países que conforman la cuenca, siempre se ha llegado a soluciones de los problemas que se suscitaron”, reflexionó.
Acuiferos subterraneos transfronterizos.Son 273 en el mundo
- 90 en Europa occidental- 68 en América: 35 en Sudamérica, 14 en América del Norte, 13 en América Central y 3 en el Caribe,65 en Europa del Este, 38 en África, 12 en Asia

Aguafuerte cineclubista "NO PUEDE HABER TANTA MALDAD..."

2009-05-07T20:58:00.000-07:00

El famoso yuyo de Cristina Kirchner, ata a la Argentina a los vaivenes de la economía, la gente llego a preguntar ¿Cuánto esta el dólar? y enseguida ¿A cuánto la tonelada de soja?
En el siglo pasado allá lejos y hace tiempo, ni se sabía casi si se cultivaba la soja en la Argentina, lo constante que perduraes que casi no se consume en el país, la gran parte de la cosecha se va al exterior.
China es su gran comprador, pero tambien es su gran productor, eso trae aparejado que ahora ellos manejen el precio de la soja y ya no es el precio que permitio a los K hacer pingues negocios en sus primeros pininos de gobierno.
Ahora encima el mundo entro en crisis economica, y Argentina o el gobierno de Cristina que anunciaba que al inicio de esta crisis, el país estaba bien plantado para enfrentarla, ahora resulta que estamos de nuevo en el fondo del mar y casi sin oxígeno.
Con la crisis, tambien vinoel dengue y lo que no cambio fue ese afán de tapar todo debajo de la alfombra, acá no va a haber una epidemia anunciaron desde el Chaco, ñacatee!!! Aparecieron de golpe de 100 casos posibles a 1800 con el dengue, ahora se llego a mas de 30.000 en todo el país.
Esto no es el INDEC, para ocultar lo que se padece en materia de salud, si se esta enfermo no hay sensación que valga, uno se enferma y si no es tratado adecuadamente, se puede llegar a morir.
El gran superavit que se dice que se haber alcanzado y que no ocurrio algo asi durante cerca de los 200 años de historia Argentina, parece que no alcanza para ayudar a la gente con dengue, a la gente que en Salta hace un tiempo atras sufrieron el alud de agua y barro y de otros argentinos que ni siquiera pueden llegar a las noticias y sufren parecidas o más terribles consecuencias quizás.
Parece que a la presidenta se le paso el dolor de ver a la gente sufriendo, sufre mas la perdida de los amigos en la carrera electoral que los padecimientos de millones de argentinos, ya sea por su salud, no tener donde vivir o por la perdida de fuente laboral.
Mentir es algo que en los gobiernos en la Argentina, es moneda corriente, traicionar, denigrar, ningunear, matonear, en definitiva el doble discurso esta instalado desde que los Kirchner gobiernan. Critican a Cobos, lo que ellos instalaron como método con Borocoto Jr.
Desde ya, la historia se va a encargar de ellosy como siempre va a ser el pueblo la herramienta para ajustar cuentas.
Mas tarde o mas temprano, con o sin cosecha record de soja, con epidemia de dengue o sin ella, habrá fuerzas para escarmentar tanta maldad, mi querido Silvio Soldán.

Aguafuerte cineclubista GESTOS, GESTIONES: DISTINTAS EPOCAS, DISTINTOS ESTILOS

2009-04-18T20:45:00.000-07:00

La anécdota cuenta que en los años de la primera presidencia de Perón la oposición no tenia demasiados espacios para expresarse y en algunos casos duramente perseguida.
El cantante de la Marcha peronista y también actor de cine, Hugo del Carril, se decidió a hacer su opera prima basado en un libro llamado Río oscuro De Alfredo Varela un militante comunista que en ese momento se encontraba preso, justamente por eso, por ser comunista y propagandizar el marxismo.
Hugo del Carril quedo tan impresionado por el relato del libro y de cómo detallaba la dura vida de los yerbateros, que con eso e influenciado por las primeras películas del neorrealismo italiano que llegaban a la Argentina, se decidió por llevar el libro de Varela a la pantalla grande.
Pero como escribí al inicio, Varela estaba preso e incomunicado. Recodemos que en aquella época existía la censura y todo lo que se hacia debía pasar por una oficina que calificaba la película, allí se encontraba un tal señor Apold, conocido de Evita y amigo del General, era amo y señor de lo que aparecía por Cine, radio, diarios y posteriormente TV por aquellos años peronistas.
Sabiendo esto, Hugo del Carril solicito hablar con Evita, a quien conocía de la época que trabajaron junto en cine, en la película la Cabalgata del circo, y le solicito poder interceder para que pueda verlo a Varela en la cárcel y que este autorizara realizar la película.
Eva hablo con Perón y este dio el permiso.
Así se pudo concretar la realización de una de las películas mas logradas del cine argentino, por lo que cuenta, por la maestría de narrar de Hugo del Carril y porque ya comenzaba a gestarse un estilo propio de la cinematografía argentina, que solo unos pocos lograron adoptar hasta la actualidad.
Hoy es impensable, que ocurran hechos de censura o perdida de libertad por pensar distinto o tener otra ideología de una tan absurda ( no quita que ocurran, como ocurren, hechos de injusticia, pero hay herramientas democráticas para enfrentarlas). Pero también es impensable que ocurran gestos como los Hugo del Carril, peronista consumado, de llevar al cine la obra de un comunista y el otro gesto de Eva de interceder y de Perón de acceder a un pedido, en donde lo que se va a contar son hechos de tal injusticia social que es imposible negarse.
Hoy la pareja gobernante tiene otra Kara y otra forma de brindar gestos, Pino Solanas conoció las dos Karas de esos gestos. Ojala que el tren en la próxima estación no siga de largo y pare, hay mucha gente que esta esperando subir.

Ciclo de cine ME MATAN SI NO TRABAJO Y SI TRABAJO TAMBIEN

2009-03-28T05:25:00.000-07:00

Miércoles 1 de Abril a las 20 hs.
Qué verde era mi valle (1941)
Dirección: John Ford
Sinopsis
En un pueblo minero de Gales viven los Morgan, una familia orgullosa de ser todos mineros y de respetar las tradiciones y la unidad familiar. Pero la bajada de los salarios por su trabajo en la mina enfrentará al padre Morgan con sus hijos, que ven en la unión sindical de todos los trabajadores la única manera de hacer frente a los patrones.
El cabeza de familia, en cambio, no quiere oír hablar de socialismo ni sindicatos.

Miércoles 8 de abril a las 20 hs.
Las aguas bajan turbias (1952)
Dirección: Hugo del Carril
Sinopsis
Los hermanos Santos y Rufino Peralta (del Carril y Laxalt) se emplean como trabajadores en los yerbatalesdel Alto Paraná. Allí se encontrarán con condiciones infrahumanas de trabajo y la codicia de los patrones. Además, Santos se enfrentará con un capataz por el amor de Amelia (Adriana Benetti). La rebelión va madurando, al tiempo que se va gestando la formación de un sindicato de trabajadores. Finalmente, los obreros se alzan y castigan duramente a sus explotadores.

Miércoles 15 de abril a las 20 hs.
Hambre de soja (2007)
Dirección: Marcelo Viñas
Sinopsis
En los últimos años, la agricultura argentina aumentó su producción a niveles antes nunca imaginados gracias al cultivo de soja transgénica. Sin embargo, esta soja es el principal enemigo que tiene la Argentina como país agropecuario y productor de alimentos. La soja permite aumentar la producción, pero produce la degradación del suelo, una masiva contaminación ambiental, pérdidas irreparables en la biodiversidad de ambientes naturales, la desaparición de alimentos básicos, y un aumento de la desocupación, el hambre y la indigencia.

Miércoles 22 de abril a las 20 hs.
Siembra letal (2003)
Dirección: Marcelo Viñas
Sinopsis
La siembra letal es una aproximación al serio problema de la exposición a los pesticidas usados en la agricultura. La utilización forzada de sustancias peligrosas por los agricultores, la exposición de adultos y niños, el impacto sobre la fauna y el medio ambiente, las consecuencias que acarreó su uso durante largo tiempo, son una clara demostración de peligro que estas sustancias representa, sobre todo cuando los controles estatales en su aplicación no existen.

ENTRADA A LA GORRA
CENTRO CULTURAL RAICES AGRELO 3045

Aguafuerte cineclubista (Con respecto a la proyeccion de Esperando la carroza)

2009-03-28T05:21:00.000-07:00

ESTO CABECITA NEGRA COMPLICANO TUTTO...

Esperando la carroza es la vida cotidiana misma, desde Los Campanelli en la TV, que uno no deja de identificarse con este tipo de parentela.
En cada familia argentina, algun descendiente de italiano es imposible de ocultar, no hablan, gritan. Y todo es un drama, desde ir a comprar el pan hasta la nena que quedo embarazada, no hay zona gris, es todo blanco o negro.
Para los que vivimos en un barrio de descendientes de italianos, la convivencia con ellos es muy divertida, desde los picnic, los partidos de fútbol, las fiestas… Son todos “ingenieri”, trabajan sin tocar las cosas, es algo increíble, con solo un vistazo ya saben el problema, los que meten mano son sus ayudantes, los “cabecitas negras”, como lo inmortalizaría el Negro Olmedo en su skecht con Edie Pequenino parodiando a un “ingenieri” italiano y un cordobés.
Para quien vivió en un barrio de italianos, los malos entendidos derivaban en verdaderos sainetes.
A mi me ocurrió cuando tenia 8 años, un sábado que era el día que todos los varones, chicos y grandes, iban a la plaza a jugar a la pelota, mi hermano había salido antes y yo quería ir, mi mama no me dejaba ir solo, a pesar de que era un barrio tranquilo y la plaza estar a dos cuadras. Así que le pidió a Ricardito un hijo de italianos de la edad de mi hermano que me llevara a la plaza.
Ricardito a mitad de camino a la plaza, hizo una parada en la casa de su abuela. Ahí su abuela aprovecho para que su nieto le ayudara a desmalezar su quinta, y yo me quede con el. Además su abuela me había convidado con un budín riquísimo.
A las 4 horas mi hermano llega a casa, y ahí se desato el drama, no me había visto y mi vieja salio a la calle a buscarme, encima no lo encontraban a Ricardito. Los vecinos empezaron a acercarse y a ayudar a buscarme. Fue una bola que se hizo alud, llegaron a ser mas de 100 personas buscándome, vino la policía, hicieron identikit de Ricardito.
La abuela de Ricardito cuando ya éste le había hecho todos los trabajos, nos corto dos pedazos de budín y nos volvimos a mi casa. Cabe aclarar que la casa de la abuela quedaba a la vuelta de mi casa, cuando nos acercábamos vimos la muchedumbre y mi vieja a los gritos. Ricardito rápido en reflejos se dio cuenta del lío y se cruzo silbando a la otra vereda, yo comiendo budín no entendía nada.
Estuve un mes sin salir a la plaza, Ricardito estuvo como tres meses sin pasar por la puerta de casa.
Los malos entendidos son comedias dramáticas, son sainetes de la vida cotidiana, un hecho simple se convierte en algo extraordinario.
Cumbio con su fotolog da cátedra. Y que no se malentienda Cumbio es una chica.

Esperando la carroza Miercoles 25 de Mayo a las 20 hs

2009-03-20T11:43:00.001-07:00

Dirección: Alejandro Doria

Una tipica comedia costumbrista en la que abundan las confusiones y situaciones entre parientes que discuten en medio del velorio de Mamá Cora, la abuela que supuestamente se habria suicidado tirándose a las vias de un tren.

CENTRO CULTURAL RAICES
Agrelo 3045
Entre Gral.Urquiza y La rioja
TE 4931-6157

cineclub_raices@yahoo.com.ar

Aguafuerte cineclubista (con respecto de la proyeccion de No habra mas penas...)

2009-03-20T11:39:00.001-07:00

AGUANTE, AGENTE GARRIDO, AGUANTE

Pocas películas reunieron tantos actores reconocidos como en “No habrá mas penas ni olvido”. La visión de que en cada pueblo se dirimía una lucha interna entre peronistas de izquierda y de derecha se podría decir que es acertada, se lo vio en cada provincia, con mas o menos vehemencia. Pero la disputa siempre terminaba a los tiros. Pero en esos pueblos todos se conocían, se sabían vida y obra de cada uno, asi que el guiño o la venia para sacarle la silla a alguien era una jugada en la cual no había retorno.
La caricatura de la Juventud Peronista en la película como armada de Brancaleone, pinta esos aspectos mesiánicos de parte de esa juventud, a todo o nada, blanco o negro.
Conversaciones tan familiares entre el delegado municipal y el comisario, en el film, donde ninguno de los dos creyese la noticia de que hay un comunista infiltrado en el municipio, pero como la orden venia de Buenos Aires, había que acatarla y cumplir con echar a ese empleado, nos permiten entrever también una lucha de trincheras en cada lugar de la Argentina, para apoderarse del poder.
Tuve oportunidad de escuchar una conversación parecida entre dirigentes de un movimiento de desocupados y un comisario y su ayudante, en La Matanza durante una marcha en el año 1999, que termino con la toma del edificio municipal.
Todos los protagonistas se conocían, comisario, policías, dirigentes barriales, militantes y manifestantes. Eran vecinos del barrio, ya habían tenido algunos enfrentamientos en algunos piquetes, pero esa conversación en una esquina a dos cuadras de la ruta 3, fue una puesta en escena de la realidad del momento. El comisario le pedía a los dirigentes que no hicieran lío, y que no intentaran tomar el edificio municipal, y sobretodo que no pusieran a las mujeres delante, ya que eso podría ser peligroso si había represión. En realidad la táctica de los desocupados con las mujeres, era que ellas fueran delante así cuando los policías hicieran el cordón entrecruzando los brazos para impedir que avancen, ellas como lo hicieron una vez cuando tomaron el Banco provincia, le tocaban a los policías sus partes nobles y traseras, y hacían que estos saltaran y retrociederan, así hicieron que los policías se desbandaran y los desocupados tomaron el banco.
El comisario poniéndole una mano en el hombro al dirigente le pedía por favor que no repitiesen esa maniobra para poner en ridículo a la policía. No le prometieron nada al Comisario, y se fueron. El comisario se quedo rascándose la cabeza, a su lado un perro flaco, le ladraba.
Ese dia tomaron el edificio municipal y solo había dos policías en la puerta, que no intervinieron.
Estas mujeres de La Matanza no son las nenas de Sandro

No habra mas penas ni olvidos Miércoles 18 de Marzo a las 20 hs

2009-03-13T19:37:00.000-07:00

Dirección: Hétor Olivera

Relata la luchas interna de Colonia Vela entre peronistas de izquierda y peronistas de derecha. A grandes trazos, es una reflexión del peronismo de aquellos turbulentos años. Todo comienza cuando Ignacio Fuentes, delegado municipal, es acusado de traidor al movimiento peronista. Aunque intenta demostrar su inocencia, pocos le creen. Poco después, toma la comisaría y desde ahí se desarrolla el conflicto

Aguafuerte cineclubista

2009-03-12T19:29:00.000-07:00

ARTECHE Y LA P… MADRE QUE TE PARIO (Con respecto a la proyección de Plata dulce)
En esta película, la edificación del personaje de Luppi como el chanta argentino, es inolvidable.
Ganar guita sin laburar, el ideal de todo argentino de ley, este punto debe ser uno de los 10 mandamientos del ser argentino, si Dios es argentino, entonces en algún lado tiene que estar el Moisés argentino con su tabla. ¿Será la famosa tablita del dólar?
Hubo una época donde había industrias, de todo tipo, grandes y chicas. Donde comprar un diario o un libro, uno lo hacia con el vuelto en monedas que nos daban. Ahora quien compra el diario los domingos, con esa guita pago un desayuno completo en el bar Plaza del Carmen de Av. La Plata y Rivadavia.
Ahora casi todo esta hecho afuera, acá algunas fabricas son mas bien depósitos de mercaderías.
En la época de la dictadura de Videla y Viola, las banderitas con que la gente festejaba el campeonato mundial de fútbol decían MADE IN HONG KONG.
Y el dólar paso a ser la moneda paralela al peso, todo se traducía al dólar.
¡Qué fiesta! pero no era la fiesta de todos, era una fiesta de algunos.
Para que algunos la pasaran muy bien, otros la pasaron muy mal. Tuvieron que hacer campos de concentración, donde desaparecían gente.
Una dictadura rarísima, donde el Partido Comunista decía que eran militares profesionales, que iba a ser una dictadura a la peruana, populista y progresista.
Una dictadura que perseguía militantes de izquierda y hacia fabulosos negocios con la URSS y rompían un boicot que EE.UU. había ordenado a la OEA, Argentina fue el único país que no lo acato.
Una dictadura que tenia en algunas embajadas asesores socialistas y radicales. Y que casi convierte a la Argentina en un peón en la disputa mundial Este-Oeste con la posibilidad de un conflicto armado con los hermanos chilenos, algo que quizás nos hubiese costado generaciones cicatrizarlo.
La única industria que levanto la dictadura del 76 fue la del terror y la de la muerte, algo que supo exportar en la década del 80 contra los nicaragüenses sandinistas, con oficiales torturadores que asesoraban a los contras nicaragüenses apoyados por Reagan.
Plata Dulce, La parte del León, Los últimos días de la victima, Tiempo de revancha y Los miedos, fueron películas que durante la dictadura se atrevieron a denunciarla de alguna manera. Los cineastas tuvieron sus mártires y también sus lacayos, Chango producciones fue una de las productoras de cine que mas plata hizo en la dictadura, y su dueño acompaño en la formula como vice a Eduardo Duhalde en el 99.
Isabel Perón lo vaticino, “el golpe viene a derribar las chimeneas”, que visión Chavela!!!

Plata Dulce Miercoles 11 de Marzo a las 20 hs

2009-03-10T12:09:00.000-07:00

Dirección: Fernando Ayala

La película transcurre durante la dictadura militar que goberno en argentina entre 1976 y 1983. Dos empresarios del mueble intentan mantener la fábrica abierta frente a una política económica de desindustrialización. Uno de ellos decide entonces dejar de producir muebles, y dedicarse a los negocios financieros, asumiendo como gerente de un banco, mientras el otro se empeña en continuar con la fábrica principio los hechos parecen darle la razón al primero, que mejora notablemente su nivel de vida: auto nuevo, casa nueva, amante. Al poco tiempo, sin embargo, el banco cierra sus puertas y los "dueños" desaparecen.

Kilometro 111 Miercoles 4 de Marzo a las 20 hs

2009-03-10T12:07:00.000-07:00

Dirección: Mario Soffici

Es posiblemente la primera película Argentina en la que se denuncia los efectos prácticos del imperialismo ingés en Argentina. Las empresas inglesas, dueñas de los ferrocarriles, fijan los precios de compra de las cosechas a su antojo. Los agricultores que no les venden a sus asociadas, no consiguen vagones para transportarla hasta el puerto de Buenos Aires, lugar de partida de sus exportaciones a Inglaterra. Una comedia de humor, con su toque social, que muestra una realidad que no todos conocían en el momento de su rodaje

Aguafuerte cineclubista

2009-03-04T19:06:00.000-08:00

EL QUE BUSCA ENCUENTRA (A propósito de la proyección KILOMETRO 111)

No es la primera película argentina con contenido social, ya hubo una en la etapa muda que hablaba de la situación del campo, “En pos de la tierra” realizado por la Federación Agraria Argentina (proyectada en el Cineclub Raíces el 17 de noviembre de 2005). Pero la estructura de comedia, de genero popular para atraer espectadores, con el agregado de un capocómico genial como Pepe Arias hace que este film se convierta en un clásico de la cinematografía argentina.
El monologo de Jefe de estación (Pepe Arias) ante los funcionarios de los ferrocarriles ingleses, es un discurso que muchos políticos no se atreverían a dar en la actualidad.
La situación que atraviesan los chacareros de Kilómetro 111 nos hace reflexionar sobre la actualidad de hoy en marzo de 2009, políticas que no saben de sequías, granizos o heladas, solo ven el mapa de la Argentina, liso y plano, sin hombres y mujeres que hacen andar un país que a veces nos hacen creer que nunca se pondrá de pie.
Es verdad que no son las mismas época, también atravesaban etapas de crisis económicas, Hitler y Mussolini acordaban el eje con Japón y se preparaban para una guerra mundial
Hoy hay guerras en todos lados, de carteles, de terroristas, religiosas, de barrabravas, de emos y cumbieros…
Hoy están SarKozy y Berlusconi en Europa y un afroamericano es presidente de EE.UU y estatiza bancos, y para coronar, dos mujeres son presidentas en Latinoamérica. Los teléfonos celulares no solo sirven para comunicarnos, también podemos ver avances de los estrenos de películas o series de TV.
Si, el mundo ya no es el de 1938, pero la estructura económica de la Argentina no cambio nada, sigue siendo el campo un factor desequilibrante para la economía.
Cada vez, hay mas terratenientes, que concentran enormes extensiones de tierra y la mano de obra rural se sigue manejando como a principios del siglo XX.
En un país donde la economía agrícola es lo fundamental, hay pocas películas que tocan el tema (Las aguas bajan turbias, Prisioneros de la tierra, Campo arado, Esta tierra es mía, Quebracho y en las ultimas películas solo una secuencia en La dignidad de los nadies de Pino Solanas) o que hablen de su vida cotidiana, el campo es invisible en las ciudades, quien toque el tema de la tierra y su distribución es acusado de hereje.
El cine nacional tampoco cambio mucho siguen mirando pa’ fuera, pa’ conformar a la gringada.
Una comedia de las de antes, pero con una actualidad que asusta. Ahijuna!!!

CICLO DE CINE MARZO 2009

2009-02-18T18:56:00.000-08:00

Sainete, capocómicos y critica social

Miércoles 4 Marzo de 2009
Kilómetro 111 (1938)
Dirección: Mario Soffici
Guión: Enrique Amorin, Sixto Pondal Ríos
y Carlos Olivari

Pepe Arias
Angel Magaña
Delia Garces
Arturo Podesta
Escenografia Raul Soldi

Sinopsis
Es posiblemente la primera película Argentina en la que se denuncia los efectos prácticos del imperialismo inglés en Argentina. Las empresas inglesas, dueñas de los ferrocarriles, fijan los precios de compra de las cosechas a su antojo. Los agricultores que no les venden a sus asociadas, no consiguen vagones para transportarla hasta el puerto de Buenos Aires, lugar de partida de sus exportaciones a Inglaterra. Una comedia de humor, con su toque social, que muestra una realidad que no todos conocían en el momento de su rodaje.

Miércoles 11 de Marzo
Plata dulce (1982)
Dirección: Fernando Ayala
Guión: Oscar Viale y Jorge Goldemberg
según una idea de Héctor Olivera

Sinopsis
Un hombre se encuentra con un ex compañero de la colimba que le ofrece un negocio redondo. La plata comienza a venir a raudales, pero las cosas cambiarán de un día para el otro.
La película transcurre durante la dictadura militar que gobernóen Argentina entre 1976 y 1983.Dos empresarios del mueble (Federico Luppi y Julio de Grazia) intentan mantener la fábrica abierta frente a una política económica de desindustrialización. Uno de ellos (Luppi) decide entonces dejar de producir muebles, y dedicarse a los negocios financieros, asumiendo como gerente de un banco, mientras el otro se empeña en continuar con la fábrica principio los hechos parecen darle la razón al primero, que mejora notablemente su nivel de vida: auto nuevo, casa nueva, amante. Al poco tiempo, sin embargo, el banco cierra sus puertas y los "dueños" desaparecen, dejando como único responsable al gerente interpretado por Luppi.

Federco Luppi
Julio De gracia
Gianni Lunadei
Nora Cullen

Miércoles 18 de Marzo
No habrá más penas ni olvido (1983)
Dirección: Héctor Olivera
Guión: Roberto Cossa y Héctor Olivera,
según la novela Homónima de Osvaldo Soriano

Federico Luppi
Victor Laplace
Hector Bidonde
Rodolfo Ranni
Miguel Angel Sola
Lautaro Murua
Graciela Dufau
Ulises Dumont
Arturo Maly
Raul Rizzo
Julio Degracia
Patricio Contreras
Salo Pasik
Osvaldo Soria Hace un cameo

Sinopsis
Relata la luchas interna de Colonia Vela (pueblo ficticio creado por Soriano) entre peronistas de izquierda y peronistas de derecha. A grandes trazos, es una reflexión del peronismo de aquellos turbulentos años. Todo comienza cuando Ignacio Fuentes, delegado municipal, es acusado de traidor al movimiento peronista. Aunque intenta demostrar su inocencia, pocos le creen. Poco después, toma la comisaría y desde ahí se desarrolla un conflicto típico de Soriano, narrado con agilidad y hasta con ciertas escenas cómicas, por ejemplo cuando el intendente de Tandil, del cual dependía Colonia Vela, le pide a Ignacio que se entregue, y éste, mediante una nota, contesta simple y concreto: "Váyase a la reputa que lo parió. Perón o muerte."Finalmente, la policía logra tomar preso a Ignacio, quien muere tras ser brutalmente golpeado. El resto de sus compañeros también es acribillado. Entre tanto, un grupo integrante de la Juventud Peronista (aliados de Ignacio) captura al comisario. Ante lo incontenible de la situación, el intendente pide ayuda al ejército. Sólo dos de los aliados de Ignacio escapan en avión, casi metafóricamente (ellos escapan porque llegan los militares, lo que representa a la dictadura).

Miércoles 25 de Marzo
Esperando la carroza (1985)
Dirección: Alejandro Doria
Guión: Alejandro Doria y Jacobo Langsner
según la obra de Jacobo Langsner

Luis Brandoni
China Zorrilla
Antonio Gasalla
Julio DE Gracia
Bettiana Blum
Juan Manuel Tenuta
Andrea Tenutta
Dario Grandinetti
Enrique Pinti

Sinopsis
Una típica comedia costumbrista en la que abundan las confusiones y situaciones entre parientes que discuten en medio del velorio de Mamá Cora, la abuela que supuestamente se habría suicidado tirándose a las vías de un tren.

Ciclo de Cine El Tsumani economico

2008-12-01T14:50:00.000-08:00

Miercoles 3 de Diciembre a las 20 hs

Proyecta
No se trata solo de salvar nuestro pellejo
de Holger Wegemann

En septiembre del 2006 el personal de la fabrica de electrodomésticos Bosch-Siemens en Berlin–Spandau realizó una asamblea que duró 16 dias, fue la asamblea de trabajadores mas larga de la historia de Alemania.El sindicato IG-Metall y una gran parte de la prensa evalúan el final del conflicto como una gran victoria obrera.La película muestra el interior de la lucha de los trabajadores de BSH. Acompaña los obreros en huelga dia por dia. La camara documenta las posiciones en pugna en las asambleas, los bloqueos de las puertas, las demostraciones y las intensivas discusiones.Va delineando los conflictos políticos y humanos, el cambio en el estado de animo adentro de la planta. No queda en ultimo lugar la focalizacion del conflicto entre la política sindical oficial y los reclamos de los amenazados por la desocupación.

duracion: 81 Min

Centro Cultural Raices
Agrelo 3045 (entre Gral Uriquiza y La Rioja)
Capital federal TE 4931-6157

ENTRADA A LA GORRA

Escritores en la frontera

2008-12-01T14:46:00.000-08:00

de Samir Abdallah y José Reynés

Miercoles 19 de Noviembre a las 20 hs

Un viaje a Palestina habla de una delegación de escritores de renombre internacional que viajan a Palestina para verse con escritores, poetas y periodistas palestinos. La película es una narración de esos escritores, que fueron capaz de diseccionar la situación de forma elocuente y bajo una mirada a la que nada escapó

Centro Cultural Raices
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Intervención Divina

2008-11-14T12:21:00.000-08:00

de Elia Suleiman

Ciclo de Cine Palestino
Miercoles 12 de Noviembre a las 20 hs

Nazareth, bajo el aspecto de una aparente normalidad, es una ciudad dominada por la locura.En ese marco convulsionado, se desarrolla la historia de amor entre un palestino que vive en Jerusalén y una palestina de Ramallah. Por la situación política, la libertad de movimiento de la mujer se interrumpe en el puesto de control militar israelí situado entre ambas ciudades. Le está prohibido a los amantes cruzar la frontera, y ellos solo pueden encontrar un poco de intimidad en el desierto, al costado del punto de vigilancia.Incapaces de sustraerse a la realidad de la ocupación, los amantes verán como su deseo furtivo engendrará repercusiones violentas.Y contra todo lo esperado, la respuesta de sus corazones heridos por los fantasmas de la intolerancia, se expresará en una espléndida proeza.

Centro Cultural Raices
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CICLO DE CINE PALESTINO

2008-11-05T08:28:00.000-08:00

MASSAKER
de Monica Borgmann, Lokman Slim y Hermann Theisen

Miércoles 5 de Noviembre
a las 20 horas.
Sinopsis:
Del 16 al 18 de septiembre de 1982, durante dos días y tres noches, "Sabra y Chatila". Veinte años después, por primera vez, seis autores de esa masacre que tanto conmovió a toda la opinión pública mundial cuentan sus crímenes.

Si hay algo que consigue Massaker es encontrar una forma de poner en escena esos testimonios escalofriantes, trascendiendo incluso el tema de partida. Se diría que Massaker no es únicamente un film sobre Sabra y Shatila sino sobre el genocidio en general y los mecanismos de la violencia colectiva. Y que, en algunos casos, como en éste, el relato de los victimarios es capaz de expresar con mayor elocuencia el horror por el que atravesaron las víctimas.
De Pagina 12 -Luciano Monteagudo-

Entrada a la Gorra
Invita Grupo Documental 1º de Mayo
Agrelo 3045 –entre G. Urquiza y La Rioja (a 5 cuadras de Pza. Once)-

Carta de Michael Moore a Bush

2008-10-22T14:28:00.000-07:00

Estimado Sr. presidente

Te agradezco por tu mensaje a la nación. Es bueno saber que todavía deseas hablar con nosotros después de cómo nos comportamos en Noviembre. Dime, ¿puedo ser franco? Enviar apenas 20.000 soldados más no va a hacer el trabajo. Eso solamente llevará el nivel de la tropa al mismo que había el año pasado. ¡Y estábamos perdiendo la guerra el año pasado! Hemos tenido ya más de un millón de soldados sirviendo por algún tiempo en Iraq desde el 2003. Algunos miles más simplemente no serán suficientes para encontrar esas armas de destrucción masiva! ¡Eh, quiero decir… traer ésos responsables de 9/11 a la justicia! Umm, tacho esto. Tratemos mejor: TRAER ¡DEMOCRACIA AL MEDIO ORIENTE! ¡YES!!! ¡Tienes que demostrar un cierto valor, caballero! ¡Ésta la tienes que ganar! Ven acá, ¡tú encontraste a Saddam! ¡Tú lo colgaste bien alto! Me encanta mirar el vídeo de eso -¡justo como en el viejo y salvaje oeste! ¡El malo estaba vestido de negro! Los verdugos eran tan feos como el ahorcado! ¡Arriba el linchamiento de las multitudes!!! Mira, tengo que admitir que me siento muy consternado por el lío en que te metiste. Como Ricky Bobby dijo, “si no eres el primero, eres el último.” Y que seas humillado delante del mundo entero no nos hace a NINGUNO de nosotros, los norteamericanos, ningún favor. Sir, escúchame. ¡Tienes que enviar MILLONES de soldados a Iraq, no millares! ¡La única manera de lamerse esta chupeta ahora es inundar Iraq con millones de nosotros! Sé que estás corto de soldados listos para combatir -¡tienes que buscar entonces en otra parte! La única manera como podrías abatir a una nación de 27 millones -Iraq- es enviando por lo menos ¡28 millones! He aquí cómo esto funcionaría: Los primeros 27 millones de norteamericanos entran y matan a un iraquí cada uno. Eso evitará rápidamente cualquier insurrección. El otro millón de nosotros permanecerá y reconstruirá el país. Simple. ¿Ahora, sé que estás diciendo, donde encontraré 28 millones de norteamericanos para ir a Iraq? Aquí están algunas sugerencias: 1. Más de 62.000.000 de norteamericanos votaron por ti en la elección pasada (la misma que ocurrió al cabo de un año y medio de estar dentro de una guerra que nosotros ya sabíamos estar perdiendo). Estoy seguro que por lo menos un tercio de ellos desearía poner su cuerpo allí donde pusieron su voto y enlistarse voluntariamente. Conozco muchas de estas personas y, aunque podamos discrepar políticamente, sé que no estarían de acuerdo en que otros tuviesen que ir a luchar una lucha que es de ellas -- mientras que ellas mismas permanecen bien protegidas aquí en Norte América. 2. Puedes crear grupos de encuentro llamados “mata a un iraquí” en ciudades a través del país. Sé que esta idea es de un estilo muy comienzos-del-siglo-21, pero recuerdo que fuí una vez a un grupo de encuentro de Lou Dobbs y, te lo juro, algunas de las mejores ideas llegan después del tercer mojito. Estoy seguro que conseguirás otros cinco millones de enlistados mediante este esfuerzo. 3. Envía allá a todos los miembros de los medios de comunicación principales. Después de todo, fueron tus colaboradores en traernos esta guerra -y muchos de ellos ya están entrenados a fuerza de estar “encajados!” Si eso no lleva el total a 28 millones, entonces recluta a todos los espectadores FOX News. ¡Sr. Bush, no te des por vencido! ¡Ahora no es el momento de aguantarse! No juegues al pequeño ganador enviando unas pocas tropas sobre-cansadas. ¡Pon a tu gente detrás de TI y condúcela hacia allá como un verdadero comandante en jefe! No dejes a ningún conservador de lado! ¡Velocidad máxima hacia adelante! Prometemos que les escribiremos. ¡Vaya a conseguirlos W!

Suyo, Michael Moore

ROGER Y YO

2008-10-22T14:13:00.000-07:00

de Michael Moore

CICLO LA OTRA AMERICA
Miércoles 8 de octubre
a las 20 horas.

En Roger y yo Michael Moore denuncia el sufrimiento de miles de familias que simplemente cayeron arrolladas al paso del gran capital y saca a la luz la lógica implacable del modelo de vida estadounidense, que desprecia a los perdedores pero evita preguntarse por las razones que conducen (por ejemplo a los habitantes de Flint) desde el trabajo honrado hasta la pobreza más indigna
Entrada a la Gorra

Invita Grupo Documental 1º de Mayo

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SICKO

2008-09-30T14:27:00.000-07:00

de Michael Moore

1 de octubre a las 20 horas.

Sinopsis:
En Estados Unidos, el país más rico del mundo, unos 45 milliones de personas no disponen de una atención médica adecuada. Una importante parte de la población no tiene seguro médico y la otra tiene que gastar grandes sumas de dinero para poder disponer de uno, lo cual beneficia a las compañías aseguradoras y también, de rebote, a las farmacéuticas

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Invita Grupo Documental 1º de Mayo

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BOLIVIA PARA TODOS

2008-09-19T15:54:00.000-07:00

de Emilio Cartoy Diaz

Miércoles 17 de septiembre
a las 20 horas.

Documental que aborda los conflictos desatados entre los partidarios de la revolución democrática y cultural encabezada por el presidente Evo Morales y los sectores que ven en el nuevo movimiento un peligro a sus privilegios. Grabada durante 15 meses en distintas locaciones de aquel país, la producción cuenta con el análisis de reconocidos intelectuales latinoamericanos, además de testimonios de los principales protagonistas de la actualidad boliviana

Entrada a la Gorra
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Ripstein: Cine sin reglas

2008-09-12T19:36:00.000-07:00

Rafael Estefanía BBC Mundo, Londres

Yo nunca vuelvo a ver mis películas, Dios me dio un don que es hacer películas y cada don viene con su 'castiguito' y el castigo consiste en tener que verlas
Arturo Ripstein

El mexicano Arturo Ripstein es uno de los directores más importantes de la cinematografía latinoamericana.

Con 40 películas en su haber entre los que se incluyen "Profundo Carmesí", "La perdición de los hombres" y "El evangelio de las maravillas", Ripstein es responsable de haber creado una escuela de cine que lleva el melodrama a sus últimas consecuencias a través de historias de personajes marginales.
El director mexicano fue invitado por el festival de cine "Discovering Latin America" que se celebra esta semana en Londres, para presentar una retrospectiva sobre su dilatada filmografía y para hablar del que fue su mentor, el gran genio del cine, Luis Buñuel.

Contaba usted que cuando se acercó a Buñuel y le dijo que quería ser director de cine, él le hizo ver "Un perro andaluz" una y otra vez. Una experiencia que sin duda marcó su carrera. ¿Qué efecto cree que tiene Buñuel en una audiencia contemporánea?
Buñuel es sin duda uno de los grandes cineastas de la historia del cine y nos ofrece obras de una hermosura descomunal que incluyen una ética de entender la vida, una serie de nociones y opciones que artistas de su calibre son los únicos capaces de darnos. Buñuel está ahí con Fritz Lang, Kurosawa, Murnau... esta enorme serie de los que inventaron un arte en el que hemos podido vernos, reflejarnos y darnos sentido.

Y usted, con 40 películas a sus espaldas y un cine tan personal ¿dónde se situaría?
Yo siempre aspiré a hacer "Nazarín" y nunca lo logré, lo que siempre es un estímulo porque entonces se intenta de nuevo en la siguiente película.
Sin duda, las alturas a las que llegaban estos maestros son propiedad privada suya y casi incompartible.
Yo he pretendido siempre más o menos haberlos vistos y estar orgulloso de ellos. Parafraseando a Borges: "estoy más orgulloso de las películas que he visto que de las que he hecho".

Usted nunca ha seguido las reglas del mercado cuando se plantea una película ¿se plantea hacerla para usted?
Ripstein ha dirigido 40 películas.Yo nunca he conocido las reglas del mercado, pero ésto no es sólo privilegio mío, los que hacen el mercado tampoco tienen ni la más remota idea. Los que hacen cine "formulaico",en donde ya saben lo que le va a gustar a la gente y cómo va ha reaccionar y cómo tener un público cautivo, tampoco lo logran.
De las miles de películas que se hacen en el mundo sólo unas pocas tienen éxito.
Yo nunca tuve la receta del éxito, siempre fui muy incompetente en ese sentido, entonces hago lo que creo que es personalmente interesante, porque he creído, casi siempre en vano, que lo que me parece razonable y conmovedor a mí, será razonable y conmovedor para los demás.

¿Siente usted que su trabajo ha sido reconocido, especialmente en un momento en el que se habla tanto del "nuevo cine mexicano" al mismo tiempo que a usted se le deja de lado? Suele ocurrir eso en todo momento, hay una generación de jóvenes que vienen a desplazar a los que hacíamos las cosas de otro modo. No quiere decir que sean ni mejores ni peores, es otra sensibilidad y están en otro momento.
Yo hice lo mío cuando hice lo mío y ahora a ellos les corresponden lo que les corresponde. Habrá que esperar, si es que la posteridad existe, para ver a quién le toca qué cosa.

¿Qué opinión le merece el "éxito instantáneo" por el cual un director alcanza la cima de la profesión con sólo una o dos películas en su haber?
Pues que seguramente serán mas sólidos nuestros trabajos, no sé, lo que sí está claro es que antes había que dar una serie de pasos para llegar aun determinado sitio.

Cuando García Márquez fue García Márquez ya hacía mucho tiempo que tenía una obra hecha. Lo mismo ocurrió con Buñuel, él fue Buñuel muchos años después de empezar su trabajo. No sé que tan súbita, en esos términos, será la desaparición también.
Ahí queda la historia para decirlo y al final los que son notables, por lo menos para los cinéfilos son los de siempre: John Ford, Orson Welles,... los demás son efímeros.

Cuando usted regresa a su obra, ¿tiene sensaciones diferentes a las que tuvo cuando las filmó?
No, yo nunca vuelvo a ver mis películas, Dios me dio un don que es hacer películas y cada don viene con su "castiguito" y el castigo consiste en tener que verlas. Una vez que las he visto, no regreso a ellas porque es muy torturante.

¿Qué historias le quedan por contar?
No he dejado de tener que contar, lo que pasa es que ahora el ritmo es más lento y más pausado. La velocidad es para otros Siempre hay historias que me inquietan, me turban o no entiendo, y gracias a eso uno se mete a buscar explicaciones. No he dejado de tener que contar, lo que pasa es que ahora el ritmo es más lento y más pausado. La velocidad es para otros.

Aunque más pausadas, pero siempre con personajes marginales que no tienen nada que perder como protagonistas ¿no?
Bueno ¡esos son en realidad los que tienen todo que perder! Sí, me interesa muchísimo. Yo vengo de un país de sobrevivientes. La supervivencia de algún modo hace que me interese por las historias de los "descomunales".

¿Le gustaría hacer una película sobre la situación social que esta atravesando su país?
No puedo evitar ser mexicano y ser contemporáneo, no lo eludo, lo que pasa es que mis películas no son políticas ni antropológicas, nunca han aspirado a eso, pero no puedo evitar que los temas incidan de alguna forma en mi trabajo.
Haré cosas que se deriven de ésto pero no de una manera directa.
Hice recientemente un documental en el que sí hay un análisis político muy concreto, muy inmediato, muy preciso de la realidad que nos determina, pero en mis películas de ficción nunca tuve ni tendré la ambición de perseguir la validez antropológica.

CANTINFLAS, el Chaplin latinoamericano

2008-09-12T11:33:00.000-07:00

Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes, más conocido como Cantinflas, nació en Santa María La Redonda, México D.F. el 12 de agosto de 1911 y murió el 20 de abril de 1993. Era el sexto de doce hermanos, hijo de Pedro Moreno Esquivel, cartero, y, Soledad Guizar Reyes de Moreno.Además de ser denominado como Cantinflas, fue conocido también como El Mimo o El Cómico de la Gabardina.
De orígen humilde, tuvo que sufrir la pobreza durante su infancia. Creció en el barrio Tepito. Para salir adelante supo utilizar su audacia y los trucos callejeros que sabía. Se matriculó en la Facultad de Medicina de la Universidad de Ciudad de México para complacer a su padre, pero durante los estudios comienza a realizar sus pinitos profesionales como bailarín e imitador. También se dedico por un espacio de tiempo al boxeo profesional antes de incursionar en el mundo del espectáculo.
Trabajó en el circo y pronto sus grandes dotes para la interpretación, su ternura y su visión optimista del mundo le llevaron a recrear el tipo de "pelao" (hombre vulgar y pobre de México, el cual caracterizó con pantalones caídos, camiseta haraposa, corbata atada al cuello...) y de este modo nació "Cantinflas". Cierto día acudió a una cita con un empresario del teatro de variedades de Jalapa (Veracruz) para que lo viera bailar pero por un incidente ocurrido en el local Cantinflas tuvo que salir a escena y calmar los ánimos del público. Los nervios no le permitían hablar con fluidez y su forma entrecortada de charlar hizo reir al público. Así inició su carrera de cómico.El 27 de octubre de 1936 se casó con Valentina Ivanova Zubareff, cuyo origen era ruso; el matrimonio con ella duró hasta que ella fallece en 1966. Aunque con Valentina no tuvo hijos, ella adoptó un niño que había tenido Mario en 1961, al cual llamaron Mario Arturo Moreno Ivanova.El mismísimo Charles Chaplin le admiraba e intentó hacer una película con él pero no fue posible, incluso, una vez lo llamó "el mejor comediante del mundo". Su filmografía es amplia, interpretando un sinnúmero de roles que van desde barrenderos hasta ministros, tiene en su haber 50 películas, entre las cuales se cuentan cortometrajes, dos producciones estadounidenses y una española, las demás de origen mexicano. En sus comienzos participó en varios cortos de carácter publicitario que se transmitían como comerciales previos a las películas de las salas de cine. Su primera participación en una película como tal la hizo en 1936 con la película No Te Engañes Corazón y la última en 1981 con El Barrendero. En 1940 fundó la productora Rosa Film junto a Jacques Gelman y Santiago Riachi. Su primer film lo rodó en 1936, "No te engañes corazón", aunque será cuatro años después cuando alcance la fama con la película "Ahí esta el detalle".Las décadas de los 40s y 50s fueron las más productivas para Cantinflas, tanto así que en 1946 rechazó trabajar con compañías mexicanas y firmó contratos con Columbia Pictures.
Fue miembro del Sindicato de Actores y al sustituir en la dirección de dicha institución a Jorge Negrete, fundó de forma benéfica la Casa del Actor. En 1952, haciendo gala de la generosidad que lo caracterizaba, emprendió una campaña a favor de los pobres para construir un habitat social. Vivió sus últimos años retirado en su rancho.
El estilo inconfundible de Cantinflas, basado principalmente en su rápida jerga cómica improvisada, ha sido imitado por otros cómicos no sólo en México, sino a lo largo y ancho de Latinoamérica, consiguiendo pasar al cuadro de honor del cine.En los años 70s aparece Cantinflas en una serie de dibujos animados llamada "El Show de Cantinflas", la cual se centra en educar a los niños en diversos temas que iban desde el fútbol hasta la línea internacional del tiempo.En 1970 la película Un Quijote sin mancha, en la cual participó, fue galardonada con el premio ACE a la mejor película del año. Como persona siempre fue admirado por su sencillez, humildad y generosidad, las cuales le vienen de una niñez de pobreza y una edad adulta de éxito labrado a pulso, aun cuando en ocasiones la crítica artística no estuvo a su favor. En sus películas siempre se podía ver cómo pretendía dejar en el corazón del público ejemplos sanos de vida, criticando a aquellos poderosos mezquinos y defendiendo a la clase proletaria. Se dedicó, después de retirarse del mundo artístico, a contribuir en organizaciones de caridad, especialmente aquellas que se dedican a ayudar a los niños.Luego de padecer de cáncer de pulmón, fallece el 20 de abril de 1993. A su funeral asistieron miles de personas, convirtiéndose en un evento nacional, durando tres días. Sus cenizas yacen en el Panteón Español de la Ciudad de México, en la cripta de la familia Moreno Reyes. Entre los reconocimientos que recibió se encuentra una estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood, Globo de Oro en la categoría de Mejor Actor por su participación en la película "La vuelta al mundo en ochenta días" y, por los logros conseguidos a lo largo de su vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.

ASI ES LA VIDA

2008-09-12T11:28:00.000-07:00

de Arturo Ripstein

Miercoles 20 de Agostoa las 20 hs

Julia no pasa por un buen momento, acaba de descubrir que su marido le engaña con una mujer más joven que ella, y además se marchan juntos, abandonándola con sus dos hijos. Julia no puede perdonar a su marido y empieza a pensar en la venganza

AHI ESTA EL DETALLE

2008-09-12T11:22:00.000-07:00

de Juan Bustillo Oro

Miercoles 13 de Agosto y 10 de septiembre a las 20 hs

Cantinflas es el novio de la criada de una casa acomodada, un día ella le pide que mate al perro rabioso que hay fuera de la casa y a raiz de esto se crea una gran confusión pues la policía cree que al que mató fue a una persona y no al perro, por lo cual casi es condenado a la pena de muerte

VAMONOS CON PANCHO VILLA

2008-09-03T15:18:00.000-07:00

de Fernando de Fuentes

Miercoles 6 de Agostoa las 20 hs.

Durante la revolución mexicana, un grupo de valientes campesinos, conocidos como los "Leones de San Pablo" se unen al ejército de Pancho Villa. Después de algunas batallas, con más derrotas que victorias, el grupo original es reducido a dos: Tiburcio Maya y el joven "Becerrillo".

Ciclo de Cine Mexicano

2008-09-03T15:14:00.000-07:00

Miercoles 6 de Agosto
a las 20 hs
VAMONOS CON PACHO VILLA (1935)
de Fernando de Fuentes
Durante la revolución mexicana, un grupo de valientes campesinos, conocidos como los "Leones de San Pablo" se unen al ejército de Pancho Villa. Después de algunas batallas, con más derrotas que victorias, el grupo original es reducido a dos: Tiburcio Maya y el joven "Becerrillo".

Miercoles 13 de Agosto
a las 20 hs
AHI ESTA EL DETALLE
de Juan Bustillo Oro
Cantinflas es el novio de la criada de una casa acomodada, un día ella le pide que mate al perro rabioso que hay fuera de la casa y a raiz de esto se crea una gran confusión pues la policía cree que al que mató fue a una persona y no al perro, por lo cual casi es condenado a la pena de muerte.

Miercoles 20 de Agosto
a las 20 hs
ASI ES LA VIDA
de Arturo Ripstein
Julia no pasa por un buen momento, acaba de descubrir que su marido le engaña con una mujer más joven que ella, y además se marchan juntos, abandonándola con sus dos hijos. Julia no puede perdonar a su marido y empieza a pensar en la venganza

ENTRADA A LA GORRA

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Sobre Ernesto Che Guevara por Rodolfo Walsh

2008-08-17T12:42:00.000-07:00

Buenos Aires, Octubre de 1967.
"¿Por quién doblan las campanas?
Doblan por nosotros. Me resulta imposible pensar en Guevara, desde esta lúgubre primavera de Buenos Aires, sin pensar en Hemingway, en Camilo, en Masetti, en Fabricio Ojeda, en toda esa maravillosa gente que era La Habana o pasaba por La Habana en el 59 y el 60. La nostalgia se codifica en un rosario de muertos y da un poco de vergüenza estar aquí sentado frente a una máquina de escribir, aun sabiendo que eso también es una especie de fatalidad aun si uno pudiera consolarse con la idea de que es una fatalidad que sirve para algo.
Lo veo a Camilo, una mañana de domingo, volando bajo en un helicóptero sobre la playa de Coney Island, asomándose muerto de risa y la muchedumbre que gozaba con él desde abajo. Lo oigo al viejo Hemingway, en el aeropuerto de Rancho Boyeros, decir esas palabras penúltimas: "Vamos a ganar, nosotros los cubanos vamos a ganar”. Y ante mi sorpresa: "I´m not a yankee, you know”. Interminablemente veo a Masetti en las madrugadas de Prensa Latina, cuando ya se tomaba mate y se escuchaba unos tangos, pero el asunto que volvía era el de esa revolución tan necesaria, aunque hoy se presenta tan dura, tan vestida con la sangre de la gente que uno admirado simplemente quiso. Nunca sabíamos en Prensa Latina, cuándo iba a venir el Che, simplemente caía sin anunciarse, y la única señal de su presencia en el edificio eran dos guajiritos con el glorioso uniforme de la sierra, uno se estacionaba junto al ascensor, otro ante la oficina de Masetti, metralleta al brazo. No sé exactamente por qué daban la impresión de que se harían matar por Guevara, y cuando eso ocurriera no sería fácil.
Muchos tuvieron más suerte que yo, conversaron largamente con Guevara. Aunque no era imposible ni siquiera difícil yo me limite a escucharlo, dos o tres veces, cuando hablaba con Masetti. Había preguntas por hacer pero no daban ganas de interrumpir o quizá las preguntas quedaban contestadas antes de que uno las hiciera. Sentía lo que él cuenta que sintió al ver por única vez a Frank País: sólo podría precisar en este momento que sus ojos mostraban enseguida el hombre poseído por una causa y que ese hombre era un ser superior. Yo leía sus artículos en Verde Olivo, lo escuchaba por TV: Parecía suficiente, porque Che Guevara era un hombre sin desdoblamiento. Sus escritos hablaban con su voz, y su voz era la misma en el papel o entre dos mates en aquella oficina del Retiro Médico.
Creo que los habaneros tardaron un poco en acostumbrarse a él, su humor frío y seco, tan porteño, debía caerles como un chubasco. Cuando lo entendieron, era uno de los hombres más queridos de Cuba. De aquel humor se hacia la primera víctima. Que yo recuerde, ningún jefe de ejército, ningún general, ningún héroe se ha descrito a sí mismo huyendo en dos oportunidades. Del combate de Bueycito, donde se le trabo la ametralladora frente a un soldado enemigo que lo tiroteaba desde cerca, dice: "mi participación en aquel combate fue escasa y nada heroica, pues los pocos tiros los enfrenté con la parte posterior del cuerpo”. Y refiriéndose a la sorpresa de Altos de Espinosa: "no hice nada más que una retirada estratégica a toda velocidad en aquel encuentro”. Exageraba él estas cosas, cuando todos sabían que acaba de recordar Fidel, que lo difícil era sacarlo del lugar donde hubiera más peligro. Dominaba su vanidad como el asma.
En esa renuncia a las últimas pasiones, estaba el germen del hombre nuevo que hablaba. Guevara no se proponía como un héroe: en todo caso, podía ser un héroe a la altura de todos. Pero esto, claro, no era cierto para los demás. Su altura era anonadante: resulta más fácil a veces desistir que seguirlo, y lo mismo ocurría con Fidel y la gente de la Sierra. Esta exigencia podía ponernos en crisis, y esa crisis tiene ahora su forma definitiva, tras los episodios de Bolivia. Dicho más simplemente: nos cuesta a muchos eludir la vergüenza, no de estar vivos porque no es el deseo de la muerte, es su contrario, la fuerza de la revolución, sino de que Guevara haya muerto con tan pocos alrededor. Por supuesto, no sabíamos, oficialmente no sabíamos nada, pero algunos sospechábamos, temíamos. Fuimos lentos, ¿culpables? Inútil ya discutir la cosa, pero ese sentimiento que digo está, al menos para mí y tal vez sea un nuevo punto de partida.
El agente de la CIA que según la agencia Reuter codeó y panceó a cien periodistas que en Valle Grande pretendían ver el cadáver, dijo una frase en inglés: "awright, get the hell out of here". Esta frase con su sello, su impronta, su marca criminal, queda propuesta para la historia. Y su necesaria réplica: alguien tarde o temprano se irá al carajo de este continente. No serán los que nacieron en él. No será la memoria del Che."

*) Prensa Latina fue fundada a iniciativa de Ernesto Che Guevara, siendo su fundador y primer director en 1959, el periodista argentino Jorge Ricardo Masetti. En el núcleo inicial de periodistas de encontraban entre otros Gabriel García Márquez, Rodolfo Walsh , Rogelio García Lupo y Carlos María Gutiérrez

Miercoles 23 de Julio

2008-08-17T12:29:00.000-07:00

a las 20 hs
ALEIDA GUEVARA, RECUERDOS DE MI PADRE
de Carlos Alberto Garcia
Una entrañable entrevista a la hija del Che Guevara, nos hace ver aspectos de un hombre extraordinario.Un padre afectuoso y cariñoso, que dejo un legado a sus hijos, que ellos transmiten con orgullo.

ENTRADA A LA GORRA

Centro Cultural Raices Agrelo 3045
entre Gral Urquiza y La Rioja,
Capital Federal
TE 4931-6157

Miercoles 16 de Julio a las 20 hs

2008-08-06T12:47:00.000-07:00

Fresa y chocolate
de Tomas Gutierrez Alea y Juan Carlos Tabio

Sinopsis:
Dos seres humanos buscan su identidad. David, estudiante de ciencias sociales en la Universidad de La Habana y Diego, un artista homosexual obsesionado por la cultura. El encuentro entre ambos da lugar a un complejo mundo de relaciones interpersonales en las que se entremezclan la amistad y la pasión, que lleva a poner en grave riesgo la libertad de ambos.

Entrada a la Gorra
Invita Grupo Documental 1º de Mayo
Agrelo 3045 –entre G. Urquiza y La Rioja (a 5 cuadras de Pza. Once)-

Conversaciones con Julio Garcia espinosa

2008-08-06T12:42:00.000-07:00

- En esta etapa de la vida en el que ya le hacen homenajes, ¿qué reflexiones tiene?"

Pues que te hacen sentir viejo tantos homenajes, pero al mismo tiempo le motiva a uno también una reflexión que no cesa porque ahora recientemente con el libro de García Márquez 'La historia de mis putas tristes' leí la novela del autor japonés al cual él se la dedica y es una metáfora de cómo, llegado a una cierta edad, uno se enfrenta con ciertas cosas que le hacen reflexionar sobre su vida y crea una situación de estar uno en una determinada edad mirando a una bella durmiente desnuda a ver si su vida está a la altura de lo que está viendo y te ocurre algo similar cuando la enorme generosidad de algunos amigos te hacen un homenaje, tú piensas si has estado a la altura del reconocimiento que te están haciendo y eso es, a veces, un poco traumático porque la vida no es una linea recta hacia el porvenir; es muy sinuosa y muy accidentada".

- Usted contribuyó de una manera importante a la creación del Icaic. Visto cómo ha ido desarrollando su trabajo, ¿qué visión tiene de ese organismo?"

Bueno yo, cuando regresé de Italia de estudiar cine en el centro experimental de cinematografía en el año 54, hace ya medio siglo, hicimos aquí en Cuba, en plena dictadura de Batista, el documental 'El mégano' que por ese trabajo yo fui apresado y, aunque es bastante 'naïf', de muy principiante y modesto, se considera el antecedente del cine cubano, y los que integramos el equipo que filmó ese documental, Alfredo Guevara, Gutiérrez-Alea, José Masip,...en fin, ese grupo, fuimos los que fundamos después el Icaic al triunfo de la revolución, y ese afán de promover una cinematografía en nuestro país fue secundado con el mismo empeño que cuando hicimos 'El mégano', que era proyectar el cine tratando que formara parte de la cultura del país, no como un simple divertimento ni afán económico.Luego, diez años después, se dieron las cuatro películas que hoy se consideran clásicas del cine cubano: 'Memoria del subdesarrollo', 'Lucía', 'La primera carga del machete' y 'Aventura de Juan Quinquín'.
Fue un cine que no se unió al realismo socialista promovido por la URSS, sino que el cine nuestro se unió al cine de latinoamérica y se le llamó el Nuevo Cine Latinoamericano porque era un cine que trataba no tanto de marcar las diferencias como el cine latinoamericano de los años 30 ó 40 sino de remarcar que todos eramos seres humanos al calor de un ansia de liberación en los países de América Latina".

- Usted después del éxito de 'Aventuras de Juan Quinquín' rehusó para siempre a tener un éxito parecido de taquilla ¿por qué?

"Porque yo me propuse explorar otras formas de narrar ya que pensaba y pienso que mi agonía fundamental es la contradicción.Yo fui un muchacho de barrio popular y por lo tanto me formé dentro de una cultura muy popular, lo mismo en la música popular cubana que en el teatro popular cubano; es decir yo tenía la formación de que la cultura era eso.Cuando yo ya tengo un cierto nivel educacional me identifico con unas manifestaciones de una estética más de minoría y se me creó una angustia muy poderosa que ha marcado mi vida y la sigue marcando hasta ahora, que es que me encontré que eso que se llamaba cultura desplazaba al cultura popular y desde entonces yo trato de ver cómo superar esa dicotomía, y con el cine yo pensé que al fin llegaba un medio de expresión artística capaz de superar esa división. Ahora me doy cuenta que el nacimiento del cine propiciaba propiciaba por primera vez una libertad para el espectador tremenda".

- En el momento actual el cine cubano está buscando otros modos de expresarse a través de las nuevas tecnologías. ¿Esto cree usted que será posible?

"Yo creo que el digital y las nuevas tecnologías traen nuevos planteamientos sobre los que hay que reflexionar mucho. Piensa que el cine es un espectáculo al cual uno tiene que salir, y es colectivo en tanto que espectador. Después aparece la televisión y el espectador sufre un cambio porque ya es en la casa, no tiene que salir y es individual.Llega el digital, llega el video, llega internet y con ello el espectador sufre un cambio total: ya no solo es en la casa, no solo es individual, sino que se puede ser consumidor y también productor.
Entonces esa evolución que la tecnología le permite al espectador para nosotros significa un desafío, y tenemos que buscar respuestas a esta situación que nos parece que puede favorecer, no solo un pensamiento en el cual el espectador puede moverse con más libertad, sino también un tipo de pensamiento más contemporáneo, de manera que en las nuevas tecnologías el problema no es fascinarse tecnológicamente con ellas, sino ver si esa tecnología nos favorece a nosotros un pensamiento mucho más actualizado o contemporáneo que el que hemos tenido hasta ahora.Utilizar el digital puede suponer un producción más económica pero no nos debe llevar al facilismo, porque muchas veces a un fotógrafo le parece mucho más fácil utilizar el digital que el celuloide y realmente puede ser más fácil técnicamente, pero desde el punto de vista estético, la formación intelectual de ese cineasta tiene que ser igual o mayor que la que tenía el fotógrafo cuando hacía el celuloide en 35 mm."
CINESTEL Actualidad Informativa del Cine latinoamericano

Miercoles 9 de Julio a las 20 h.

2008-08-06T12:39:00.000-07:00

CUBA BAILA
de Julio Garcia Espinosa
(1961) 81 minutos

Sinopsis:
Los conflictos de una madre que desea, más allá de sus posibilidades, organizar la mejor de las fiestas para su hija cuando esta cumple 15 años.....

Entrada a la Gorra
Invita Grupo Documental 1º de Mayo
Agrelo 3045 –entre G. Urquiza y La Rioja (a 5 cuadras de Pza. Once)-

Memorias del subdesarrollo (T.G.Allea 1968)

2008-08-06T12:27:00.000-07:00

Cine y revolución en el trópico
Despertar en la periferia
Los años sesenta auspician el surgimiento de diversas cinematografías periféricas que son llamadas a asumir la fundación de una mirada propia. Es un momento en que muchas comunidades del Tercer Mundo viven, o han vivido recientemente, episodios de opresión política, donde no queda lugar para la pluralidad de puntos de vista, o bien han venido siendo poco menos que sucursales pobres del cine que se planifica en los grandes centros de producción, sin la oportunidad de crear obras de factura más humilde pero más pendientes de los valores propios de esa sociedad. Esta emancipación es posible gracias a dos factores decisivos: por un lado, una tecnología de producción más flexible —con película de mayor sensibilidad, una generalización profesional del soporte de 16 mm, hasta entonces destinado al ámbito doméstico, y con unos dispositivos de sonido cada vez más ligeros— y, por otro, a una progresiva toma de conciencia de la utilidad del cine para proyectar la identidad nacional dentro y fuera de una comunidad. Con una idea en la cabeza y una cámara en la mano —como proclama el padre del Cinema Nôvo brasileño Glauber Rocha—, las voces hasta entonces excluidas por el cine del más poderoso están en condiciones de hacerse valer.
El siguiente paso es crear una forma original de comunicación, ya que el lenguaje que sirve al discurso hegemónico no puede ser el apropiado para narrar el subdesarrollo. Una forma nueva que sirva para contestar, con voz fuerte y clara, la imagen a su medida que el cine dominante ha fabricado del mundo. Justamente, a esta apropiación cultural del otro se refiere el pensador Edward Said cuando, estudiando la imagen que Occidente se ha formado del mundo árabe, emplea el término orientalismo. Así designa un modo de hacer hablar al Tercer Mundo desde los intereses del occidental; en realidad, una operación sutil para hablar de sí mismo, basada en una estrategia de superioridad [1].
En la doble tarea de construir una identidad propia con un lenguaje singular, el cineasta de Latinoamérica, África o Asia fija su atención en ciertos modelos del cine europeo: el Neorrealismo italiano, primero, y los nuevos cines que surgen desde finales de los cincuenta en toda Europa, pero también en Norteamérica, como alternativas a la tradición imperante. Dando un paso más en la consumación de estas influencias, no son pocos los realizadores occidentales que decidirán viajar para participar directamente en las cinematografías en desarrollo. En esa visita ven la oportunidad de comprometerse solidariamente en un proceso de revolución popular que al mismo tiempo les supone un reto añadido como cineastas. De ese modo nacen ¡Cuba sí! (1961), de Chris Marker; A Valparaíso (1963), de Joris Ivens; Soy Cuba (1964), de Mijaíl Kalatozov; La batalla de Argel (La Battaglia di Algeri, 1966), de Gillo Pontecorvo; Jusqu'à la victoire (1970), de Jean-Luc Godard y Jean-Pierre Gorin [2]... Films concebidos desde el apego incondicional al pueblo que los acoge, y que, sin rehuir un cierto didactismo, aspiran contribuir a la formación de una expresión autóctona mediante movimientos de ruptura con el cine-espectáculo de Hollywood.
Pero dentro de cada uno de estos países, y en otras latitudes del Tercer Mundo, ya están apareciendo fulgurantes personalidades que defienden la construcción de un nuevo cine nacional. Si nos detenemos en la inabarcable Latinoamérica, encontramos a Fernando Birri, Leopoldo Torre Nilsson y Fernando E. Solanas, en Argentina; Mario Handler, en Uruguay; Miguel Littín y el pronto exiliado Raúl Ruiz, en Chile; Jorge Sanjinés, en Bolivia; José María Arzuaga, en Colombia; Paul Leduc, en México; Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos y Ruy Guerra, en Brasil; Santiago Álvarez, Julio García Espinosa y Tomás Gutiérrez Alea, en Cuba...

Cuba tras 1959
Es precisamente el cine cubano el que, junto al argentino y al brasileño, representa la punta de lanza del cine latinoamericano de esta década. La particular situación histórica de la isla la convierte en un terreno igualmente fértil para la aventura política y la innovación artística. En 1959, con el fin de impulsar la producción de películas que favorezcan los objetivos de la revolución popular triunfante ese mismo año, se crea el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), organismo que será, hasta la actualidad, el principal gestor de la actividad cinematográfica en Cuba. Sus primeros logros se empiezan dando en el hoy desprestigiado género del reportaje: el noticiario del ICAIC es la cantera donde una nueva generación de cineastas, compuesta por Nicolás Guillén Landrián, Octavio Cortázar, Sara Gómez o Santiago Álvarez, emplean los escasos recursos a su alcance para extraer la poesía de la realidad circundante gracias a una inventiva técnica sin parangón. Es en torno a ese compromiso con lo testimonial, cristalizado a través de una fuerte personalidad creativa, donde va a darse la búsqueda expresiva del artista revolucionario, tras décadas de sometimiento a los explotados moldes del cine de género estadounidense y mexicano.
En el terreno, más propicio a la fabulación, del largometraje, sobresalen tres jóvenes figuras que han regresado a la isla tras una etapa de formación en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma (la escuela preferida por los cineastas latinoamericanos, junto con el IDHEC de París). Son Julio García Espinosa, Humberto Solás y Tomás Gutiérrez Alea, recayendo en este último la responsabilidad de dirigir el primer largometraje producido por el ICAIC: Historias de la Revolución (1960), en realidad, una sucesión de tres cortometrajes (con diferentes equipos y estilos) que ilustraban distintos episodios de la lucha contra el régimen de Batista. Tras esta afortunada experiencia, Titón Gutiérrez Alea realiza dos exitosos films en clave de comedia satírica —Las doce sillas (1962); La muerte de un burócrata (1966)—, un drama rural con el vudú como fondo —Cumbite (1964)—, y la película por la que, en adelante, será conocido en todo el mundo y que se convierte en una de las cimas de la cinematografía latinoamericana: Memorias del subdesarrollo (1968).

Amanecer bélico en el malecón
Memorias del subdesarrollo es la tentativa de poner en imágenes las contradicciones de una sociedad con la conciencia escindida, de una Cuba que despierta y otra que sigue cautiva de la Historia. Y en este caso, hay que subrayar lo de tentativa sin que ello signifique menoscabo alguno, porque el gran acierto de la película es que su carácter de tanteo, de ensayo —en el más amplio sentido de la palabra—, resuena en cada plano, en cada idea, hasta convertirse en una gran metáfora del film.
Basada en la homónima novela de Edmundo Desnoes [3] (quien también participa en la película como coguionista y como actor, haciendo de sí mismo), Memorias del subdesarrollo narra la historia de Sergio, un pequeño-burgués cubano resentido por no vivir en Europa, y que pese a todo decide no acompañar a su familia cuando se exilia a Estados Unidos. Tras ser capitalizado su negocio de muebles con el triunfo de la Revolución, Sergio vive de las rentas y deja pasar los días intentando escribir un libro largamente acariciado, mientras se convierte en el espectador pasivo de lo que está sucediendo a su alrededor.
Sergio se presenta, pues, en un primer momento, como el personaje protagonista de esta historia, aunque pronto veremos cuán insuficiente es esta valoración. Como sujeto paciente de las circunstancias que le rodean, Sergio se abandona a la marcha de los acontecimientos sin oponer resistencia alguna. Nos hace cómplices de sus observaciones y meditaciones a través de la voz en off, pero su escepticismo vital le incapacita para tomar un papel determinante en la acción, con lo cual, este perfecto antihéroe, en su parálisis e inoperancia, pone en crisis la estructura dramática tradicional (en consonancia con ciertas prácticas de la novela moderna y de cineastas como Antonioni). Esa forma se vertebra, como sabemos, sobre una individualidad de psicología bien definida que conduce la narración mediante sus decisiones y su enfrentamiento a lo contingente. Aquí, es aquello que rodea a Sergio lo que, en realidad, va a acaparar nuestra atención. De hecho, la película se divide en episodios con títulos que hacen referencia a personajes o situaciones más bien secundarios o tangenciales en la evolución del film, si nos atenemos a las reglas de la dramaturgia clásica.
Esta vulneración de la jerarquía dramática favorece asimismo el no tener que estar supeditado a la articulación convencional de causas y efectos, y tanto la naturaleza como el orden de los elementos de la narración se manipulan con libertad, siguiendo intereses de otra índole. Así, algo en principio pequeño o incidental es susceptible de adquirir importancia escénica y narrativa con un solo movimiento de cámara: cuando Sergio pasa por la calle donde vivía un amigo de la infancia, la cámara se desentiende de él y, participando de sus recuerdos, se acerca a una casa deshabitada que empieza a ser recorrida por suaves movimientos, en un modo de podría recordar a El año pasado en Marienbad (L'année dernière à Marienbad, 1961), de Alan Resnais. En ese espacio, como en el film de Resnais, pasado y presente se coagulan en un único tiempo indeterminado cuando, en un patio de la casa, dos niños juegan sentados en el suelo. "¿Se acordará de a qué jugábamos? —piensa Sergio— Yo lo trato y no puedo". Este recuerdo dará paso a un episodio de su adolescencia que pronto es interrumpido para seguir con otro asunto.
Durante el metraje del film no faltarán ejemplos de esta narración sincopada, con saltos en el tiempo que no tienen por qué estar estrictamente justificados por el transcurso de la acción, aunque aporten rasgos reveladores sobre el mundo de Sergio. Estos saltos comportan también vueltas sobre un mismo acontecimiento desde ángulos distintos, como sucede en la escena del baile y el tiroteo con que se abre la película. Memorias comienza con la partida masiva de exiliados al extranjero en 1961 y termina con la inquietante imagen de carros de combate pasando ordenadamente por el malecón de La Habana, durante la "crisis de los misiles" con Estados Unidos, en octubre de 1962. Pero la acción de la película no se limita al tiempo comprendido entre estas dos fechas, sino que recorre toda una constelación de momentos e impresiones sin respetar la cronología lineal. Los saltos de un asunto a otro pueden parecer caprichosos, pero mantienen una extrema coherencia con el espíritu que subyace a lo largo de todo el film.
Tras conocer e invitar a cenar a Elena, una aspirante a actriz de cine porque "está cansada de ser siempre la misma", Sergio le dice que las películas no son lo que parecen y que el trabajo de los actores consiste en repetir hasta el cansancio los mismos gestos y las mismas palabras. Sin solución de continuidad, aparecen fragmentos de diferentes películas repetidos una y otra vez, con la característica común de su marcado erotismo. ¿Cortes de la censura que se recuperan para la ocasión? Después de salir de la sala donde se ha proyectado, Sergio le pregunta a su amigo cineasta qué va a hacer con eso.
—Pensaba meterlo en una película.—¿En una película?—Sí. Una película que sea como un "collage", donde se pueda meter de todo.—¡Pero tendrá que tener algún sentido!—Ya irá saliendo
El cineasta resulta no ser otro que el propio Gutiérrez Alea ¿hablando acaso de la película que ahora vemos?
Lo importante es que esa confianza en la mixtura, en la apropiación de materiales de procedencia heterogénea, y, con ello, un gusto por la deriva y la digresión como recurso constructivo —que lo emparenta con Godard o, más recientemente, Olivier Assayas—, está presente en todo momento y es, en definitiva, una expresión formal del propio tema de la película. Porque, como dice Sergio sin ocultar un tono despectivo hacia lo que ve cuando camina por la calle, "la incapacidad para relacionar las cosas, para acumular experiencia y desarrollarse" es una de las señales del subdesarrollo.
Eso no quiere decir que se proceda a empalmar las escenas una tras otra, de un modo arbitrario, sino que existe una transgresión desde el punto de vista de lo que es importante hacer aparecer en una película y de la manera en que generalmente se presenta ese material narrativo, pero en todo caso no es gratuita. Por ejemplo, la larga sucesión de cortes censurados no parecen aportar mucho a la acción principal (si la hubiera) y a la definición del personaje de Sergio (si fuera importante definirlo), pero sí que sirven, desde otro nivel de lectura, para representar una cierta concepción de la salvaguarda de las "buenas costumbres" en otra época que se trata de olvidar. Al mismo tiempo, en la repetición caricaturesca de esas tomas, se explicita una crítica a un cine acomodaticio que funciona por reiteración de patrones (con seguridad aquel en el que Gutiérrez Alea no quiere caer).
Dispersión, acumulación caótica, fragmentación... rasgos que no obedecen sino a la forma precaria en que perviven los rescoldos de la memoria. Fotografías de milicianos en la Guerra Civil española; Ernest Hemingway de caza; imágenes de Marilyn Monroe cantando en un monitor de televisión; el vistazo a las secciones de un periódico del día... La multiplicidad de registros convocados en Memorias hacen de ésta una obra de escritura compleja e inagotable disfrute, que sorprende a cada paso con un audaz planteamiento de la dramaturgia.
A mitad de la película, asistimos a una mesa redonda sobre literatura en la Biblioteca Nacional. Allí, junto a intelectuales de diferentes nacionalidades, está invitado Edmundo Desnoes, el escritor. De repente se encuentra frente a un público del que forma parte Sergio, el personaje de ficción de su novela (álter ego de sí mismo), como un oyente más que no tiene reparos en recriminarle con el pensamiento: "¿Y tú qué haces ahí arriba con ese tabaco? Debes sentirte muy importante, porque aquí no hay mucha competencia". Los niveles de realidad se solapan unos a otros para precipitarse en un insólito despliegue de talento que, no por azar, es hasta la fecha el retrato más fidedigno de las aspiraciones y frustraciones del pueblo cubano.

[1] Siguiendo con el concepto de orientalismo, no podemos dejar de señalar un ejemplo de esta actitud netamente egocéntrica en dos films célebres de los sesenta que, sin rechazar sus aciertos como obras cinematográficas, muestran una retrato tendencioso de la realidad árabe: Éxodo (Exodus, 1960), de Otto Preminger, y Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia, 1962), de David Lean.
[2] Película inconclusa, encargada por el partido palestino Al Fatah al grupo Dziga Vertov, que se completará unos años más tarde con el título de Ici et ailleurs (1974), en colaboración con Anne-Marie Miéville.
[3] Publicada recientemente por vez primera en España: Memorias del subdesarrollo, de Edmundo Desnoes. Mono Azul Editora. Sevilla, 2006.

CICLO DE CINE CUBANO

2008-08-06T12:10:00.000-07:00

Miércoles 2 de Julio
a las 20 horas.
Memorias del subdesarrollo
de Tomas Gutierrez Alea

Sinopsis:
Una historia personal que hubiera sido intrascendente de no ocurrir en los vertiginosos días de la revolución, cuando todas las contradicciones se pusieron al rojo vivo. La película entrega un monólogo interior con mirada a la calle, como es la novela homónima de Edmundo Desnoes.

Y antes de la pelicula Entrevista Documentadas, realizadas por el Grupo Documental 1º de Mayo.
Vicente Zito Lema,
recuerdo del abuelo anarquista
Recuerdos del abuelo, un español anarquista, que le dejo un legado de ideales que aun mantiene y transmite en sus actividades por la lucha de los Derechos Humanos y en el arte

Entrada a la Gorra
Invita Grupo Documental 1º de Mayo
Agrelo 3045 –entre G. Urquiza y La Rioja (a 5 cuadras de Pza. Once)-

Ciclo de Cine Cubano

2008-06-30T11:06:00.000-07:00

CINECLUB RAICES
Agrelo 3045 Capital Federal

Miercoles 2 de Julio y 3 de septiembre
a las 20 hs

MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO
de Tomas Gutierrez Alea
Una historia personal que hubiera sido intrascendente de no ocurrir en los vertiginosos días de la revolución, cuando todas las contradicciones se pusieron al rojo vivo. La película entrega un monólogo interior con mirada a la calle, como es la novela homónima de Edmundo Desnoes.

Miercoles 9 de Julio
a las 20 hs

CUBA BAILA
de Julio Garcia Espinosa
Los conflictos de una madre que desea, más allá de sus posibilidades, organizar la mejor de las fiestas para su hija cuando esta cumple 15 años...

Miercoles 16 de Julio
a las 20 hs

FRESA Y CHOCOLATE
de Tomas Gutierrez Alea y Juan Carlos Tabio
Dos seres humanos buscan su identidad. David, estudiante de ciencias sociales en la Universidad de La Habana y Diego, un artista homosexual obsesionado por la cultura. El encuentro entre ambos da lugar a un complejo mundo de relaciones interpersonales en las que se entremezclan la amistad y la pasión, que lleva a poner en grave riesgo la libertad de ambos.

Miercoles 23 de Julio
a las 20 hs

ALEIDA GUEVARA, RECUERDOS DE MI PADRE
de Carlos Alberto Garcia

Una entrañable entrevista a la hija del Che Guevara, nos hace ver aspectos de un hombre extraordinario.Un padre afectuoso y cariñoso, que dejo un legado a sus hijos, que ellos transmiten con orgullo.

Entrevista en Rosario , Argentina a Aleida Guevara en 1979

ENTRADA A LA GORRA
Centro Cultural Raices
Agrelo 3045
entre Gral Urquiza y La Rioja, Capital Federal
TE 4931-6157

Entrevista a Felipe Quispe

2008-06-30T11:01:00.000-07:00

"Quiero hacerles llegar un saludo revolucionario a los hermanos indígenas y campesinos de Colombia, que sigan luchando, que cuiden la casa, que la casa es sagrada, contra el imperialismo que también amenaza a Colombia"

"Carlos Mesa no va a durar ni seis meses como presidente"
Alèxia Guilera Madariaga22 de octubreLa Paz (Bolivia)

Felipe Quispe, el Mallku (el cóndor), el líder de los indígenas bolivianos -es decir, del 60% de la población del país- y diputado por el Movimiento Indígena Pachakuti (MIP), consiguió este último mes lo que ni siquiera él se imaginaba: decenas de miles de indígenas aymaras y quechuas se lanzaron a las calles y a los caminos del país, junto a campesinos y mineros, pidiendo la renuncia del ya ex presidente boliviano Gonzalo Sánchez de Lozada, conocido como "el Goni" o como el gringo, por el fuerte acento inglés que tiene su español.
Quispe reúne todos los tópicos de cualquier mito de la izquierda: es listo y sencillo, algo rudo, de origen campesino. Maneja sin asomo de ostentación esa inteligencia precisa del que aprendió observando, mientras sus ojillos astutos no pierden detalle de todo, absolutamente todo, lo que pasa.
Me ofrece un mate de coca -con hojas de coca de verdad flotando en la infusión- que deposita suavemente junto al libro que está leyendo: El arte de hablar y escribir, del sociólogo mexicano Raúl Rojas.
- ¿Por qué no confía en el nuevo gobierno de Mesa: por la persona que él es, porque ha apostado por un gobierno integrado por independientes, sin partidos, o porqué el nuevo gobierno no deja de estar integrado por "q´aras" (blancos en lenguaje aymara)?
- ¿Sabes qué? Carlos Mesa y el Goni para mí eran como marido y mujer: son de la misma fórmula. El uno sabía perfectamente de las cosas del otro, como en un hogar: qué falta, qué no falta... Ahora se escapa el marido, abandona el hogar, pero ¿quién se ha quedado? Son igualitos, luego Carlos Mesa tiene que ver también con la sangre derramada. Por otro lado, si no hubiésemos hecho esta sublevación no hubiese sido presidente. Desconfiamos de él porque es representante del Banco Mundial, del Fondo Monetario Internacional... no es más que otro pelele de los gringos.
- ¿Cómo tendría que ser un presidente para que ustedes lo aceptaran?
- Si estuviésemos en el poder el presidente tendría que ser alguien realmente independiente. Pero el problema es que los aymaras no tenemos soberanía, a pesar de que así lo dice nuestra Constitución: este país está gobernado por los gringos.
- En el actual panorama político de Bolivia ¿hay alguna persona que para ustedes esté capacitada para gobernar con justicia el país?
- Bueno, hay que ver, hay que buscar... pero no, no tenemos todavía un candidato.
- Felipe, si en este momento le llama por teléfono Carlos Mesa y le pregunta "Felipe, ¿qué hago?", usted ¿qué le diría?
- (Se ríe) Mire, sinceramente nada: él no es mi amigo. Y además creo que Carlos Mesa no va a durar ni seis meses como presidente.
- ¿Por qué está usted tan convencido de esto?
- ¿Quiere saberlo? La respuesta es 21060: un decreto que permite la erradicación de la coca. Es impuesto por los gringos. Y la coca es algo sagrado para nosotros, como la Biblia para algunos de ustedes. Por eso nosotros le estamos diciendo: "tienes que derogar esto". Y nada. Otra razón: la 1008, que es una ley que prohíbe bloquear, prohíbe hacer marchas y no presupone la inocencia de los bolivianos sino todo lo contrario. Entonces, todo eso lo tiene que anular.
- Entremos en el tema del gas. Si estoy en lo cierto, a ustedes no les molestaba tanto el hecho de que lo fueran a sacar por Chile (país que en la guerra del Pacífico, en 1879, le arrebató a Bolivia su única salida al mar) sino, más bien, el hecho de que el Gobierno lo pensaba vender a los EU a precio de risa...
- Sí, eso es.
- ¿Cuál es entonces la propuesta de ustedes al respecto?
- Bueno... el tema del gas lo hemos manejado desde el primer momento, creo, con sensatez: primero hemos reunido a la gente y les hemos preguntado si querían o no que el gas saliese del país. Claro, dijeron que no. Entonces, lo que decimos es que primero hay que nacionalizar el gas: ahora es de varias empresas, una es la española Repsol YPF pero la mayoría son gringas. Después, una vez nacionalizado, la idea es venderlo pero ya procesado y no a los gringos: pueden ser otros países.
- Felipe, dígame: en estas semanas de movilizaciones ¿ha habido alguna cosa que le haya conmovido especialmente?
- Sí (se le agrava el rostro). Lo que me ha conmovido es la muerte de niños y hasta de bebés recién nacidos, asesinados por balas de los soldados. Y otra cosa que me conmovió fue saber que un capitán del Ejército mató a uno de sus soldados porque éste no quería disparar contra los campesinos, allá en el Río Seco, en el alto de la Paz.
- Y, sinceramente, ¿usted pensaba que sería capaz de movilizar a toda esa gente que salió a la calle, miles y miles de indígenas y campesinos?
- La verdad es que si hubiésemos convocado como partido Movimiento Indígena Pachakuti no hubiésemos movilizado a tanta gente. Realmente la hemos movido como organización indígena y como Confederación Sindical Única de Trabajadores de Bolivia.
- Cuando por la noche se acuesta, ¿duerme usted tranquilo o le inquieta pensar en la responsabilidad que representa que tanta gente campesina e indígena confíe en usted?
- Cuando inicié, en los años 80, sí que dormía muy intranquilo. Pero ahora ya me acostumbré: llego muy cansado y me duermo. Pero al día siguiente lo primero que hago es sentarme y pensar qué es lo que se puede hacer, cómo se puede complementar esa lucha...
- En algún minuto del día ¿usted deja de pensar en esa lucha?
- (Sonríe) Nunca, casi.
- ¿Y vale la pena esa lucha? ¿Qué le dice la gente cuando se le acerca?
- Bueno (sonríe ampliamente) la gente de la ciudad no me quiere nada: me insulta y hasta algunos me han escupido...
- ¿Por qué?
- Recuerdo que cuando cayeron las dos torres gemelas yo esa vez me solidaricé con los revolucionarios que habían hecho eso: los saludé fraternalmente a los que hicieron esa acción. Luego, una señora me dijo: "mira, no te metas con los Estados Unidos o te voy a cortar los testículos" (se ríe bajito). Y así casi todos los días. Hasta he recibido amenazas por escrito (y me alarga un anónimo, escrito a máquina, firmado por unos misteriosos Trabajadores de Bolivia, en el que lo llaman "grandísimo hijo del diablo, bruto, agente de la burguesía, racista e hijo de mula" y le amenazan con que "te vamos a embalsamar con dinamita" por lo que "ya puedes ir preparando tu testamento"). Y como si no fuera con él la cosa, Mallku entrecruza suavemente los dedos y se dispone a escuchar mi siguiente pregunta.
- ¿Qué puede pasar en Bolivia si pasados esos tres meses de tregua que ustedes le han dado al nuevo presidente no se ha cumplido ninguno de los puntos exigidos? ¿No cree que la gente puede empezar a cansarse de bloqueos y movilizaciones? ¿Habría que pensar en otra cosa?
- No. Es que nosotros sólo conocemos como medio de defensa los bloqueos y las huelgas de hambre: no hay otra lucha más efectiva. De esa manera la gente no se cansa. Mientras yo esté a la cabeza del movimiento indígena voy a seguir convocando a los bloqueos de carreteras.
- La pregunta que le ha hecho todo el mundo: ¿por qué son tan malas las relaciones entre Evo Morales y ustedes? ¿No es poco práctico que los dos movimientos de izquierda estén tan separados?
- No, es que... ¿cómo vas a trabajar bien con uno que siempre está al lado del Gobierno? Actualmente tiene dos ministros: el de Educación y el de Asuntos Indígenas. Mientras nosotros estamos peleando, ellos están ahí, contentos y alegres, salen al balcón y nos miran y a lo último, cuando ya estamos por tumbar el gobierno, también se pliegan a la lucha. Siempre han jugado así, sucio. Pero además de eso, es que el MAS (Movimiento al Socialismo, la coalición liderada por Morales) es la escisión de la falange socialista boliviana y los principios programáticos que tiene ese partido son fascistas. Entonces, ellos no piensan igual que nosotros: son del socialismo cristiano pero también admiten el capitalismo... ¡inclusive hasta el imperialismo! Sin embargo, nosotros somos indigenistas, somos tupakataristas (de Tupac Katari, que dirigió, en el siglo XVIII, el mayor levantamiento indígena aymara contra los españoles). Nosotros queremos autodeterminarnos, hacer nuestra lucha.
- El ex presidente Sánchez de Lozada los cualificó a ustedes varias veces de terroristas...
- No, es que está claro que el único terrorista es él, Gonzalo Sánchez de Lozada que aterrorizó al pueblo, lo mató, lo arrasó. ¿Qué quiere decir terrorismo? Si buscamos en el diccionario es el que aterroriza a un pueblo. Nosotros no hemos aterrorizado: nosotros somos revolucionarios, queremos un cambio. Por algo la palabra quechua pachakuti en castellano quiere decir la revolución, el cambio.
- ¿Qué le diría al movimiento campesino e indígena colombiano?
- Quiero hacerles llegar un saludo revolucionario a los hermanos indígenas y campesinos de Colombia, que sigan luchando, que cuiden la casa, que la casa es sagrada, contra el imperialismo que también amenaza a Colombia. Estamos con nuestros hermanos de Colombia: el problema que están sufriendo también es nuestro problema y el de los indígenas y campesinos de la llamada Bolivia, es también el de ellos. Desde esa perspectiva yo veo que la idea es seguir batallando y mantener intactos nuestros ideales comunes.

Evo representa el mestizaje

2008-06-09T13:12:00.000-07:00

Entrevista a Alejandro Landes,

director del documental “COCALERO”

Nacido en San Pablo y criado en Ecuador, el cineasta siguió paso a paso el ascenso de Evo Morales a la presidencia: su film se vio en Sundance y estará en el festival de Mar del Plata.
Alejandro Landes se asomó al mundo del cine a través de una mirada al presidente de Bolivia, Evo Morales, cuando todavía no era el máximo representante político de ese país, sino que estaba en plena campaña electoral. Con 26 años, Landes –nacido en San Pablo, Brasil, y criado en Ecuador– siguió al líder cocalero en el camino que lo llevó a la presidencia bajo las ideas de una sostenida defensa del cultivo de la hoja de coca y de los recursos naturales, la nacionalización de los hidrocarburos y la abolición del sistema neoliberal. El 18 de diciembre de 2005, Evo Morales ganó las elecciones presidenciales con un demoledor 53,7% de los sufragios y se convirtió en el primer mandatorio indígena de Bolivia. Landes registró 120 horas de material audiovisual entre el 1º de octubre de 2005 y el 22 de enero de 2006. Así nació Cocalero, un documental que refleja el camino al poder de Evo Morales y el mundo de los cocaleros. El largometraje fue presentado hace dos semanas en el Festival de Sundance, Estados Unidos, y se estrenará en Argentina durante la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La productora de Cocalero es la argentina Julia Solomonoff, directora de Hermanas.
En diálogo con Página/12, Landes comenta que la historia personal de Evo Morales “entretejía varias historias de la región. Por ejemplo, tenía un componente racial, ya que él sería el primer presidente indígena en Bolivia, tenía un componente de la política estadounidense hacia América latina en términos de la lucha contra las drogas y su violencia. Y también el dinero que estaba en juego en Bolivia por las reservas masivas de gas, haciendo de Bolivia una especie de campo de batalla regional”.
–¿Qué aspectos de Evo Morales buscó reflejar?
–Evo es el primer presidente indígena que llega al poder en Bolivia. Sin embargo, su forma política de ser reivindica una tradición más mestiza. O sea, Evo no se viste con plumas y poncho. Evo se viste con jeans y zapatillas, se pone la camiseta del Real Madrid. Reivindica, quizás, una tradición más mestiza. Lo interesante de eso es que, al fin y al cabo, Bolivia sólo tiene futuro en el mestizaje, como la mayoría de la región. Bolivia nunca va a ser totalmente indígena. Bolivia nunca va a ser totalmente blanca o europea. Bolivia sólo tiene futuro en el mestizaje y, de alguna manera, Evo representa eso. Te das cuenta en el documental de que él usa el español antes que cualquier cosa, no habla el aymara o el quechua fluidos. El llega al poder con un discurso más sindicalista nacionalista que indigenista. Y eso para mí fue la parte más interesante de la historia.
–Teniendo en cuenta que se trata de un personaje público muy importante, ¿cómo fue el rodaje y qué particularidades tuvo?
–Lo interesante es que cuando yo llegué a Bolivia, el 1º de octubre de 2005, Evo Morales era una figura importante pero tampoco era tan conocido. Y en ese momento sólo estaba viajando en un auto por su país con su chofer Javier (que es un personaje en el documental) y su secretaria Janet. Y el viaje era hasta tranquilo, digamos, y pequeño. Dos meses después, se volvió en un convoy de treinta autos, con prensa a todos lados del mundo. Empezó muy pequeño y creo que eso es lo interesante. Recuerdo que cuando yo estaba buscando financiación para comprar un equipo e ir a filmar, andaba en mis reuniones con una hoja impresa de la cara de Evo porque en ese momento nadie sabía quién era. Sólo tres meses después, el tipo estaba en la portada del New York Times, del L.A. Times, etcétera.
–¿Coincide con la opinión de buena parte de la opinión pública de que el hecho de que Evo Morales haya vivido en la pobreza le permite tener mayor sensibilidad política?
–Bolivia es el país más pobre de Sudamérica y Evo representa a esa mayoría. Sin dudas, romper los tabúes raciales, económicos y sociales que se tuvieron que romper para que Morales llegue al poder es un paso importante en el país y en la región. Y yo espero que, a través de los años, sea también importante que el discurso de un futuro presidente en la campaña ya no sea una discusión racial, de origen, de color de piel o de idiomas, sino más bien de ideas.
–¿Cuál es su posición respecto de la opinión que existe de que, dentro del arco progresista de los nuevos gobiernos de América latina, el de Evo Morales es uno de los que está más a la izquierda?
–A mí se me complica un poquito mirar las cosas de derecha o de izquierda. Por lo que yo vi, Evo Morales no es un líder no ideológico sino pragmático. Lo que está buscando hacer es darle la mejor oportunidad a la gente que, en algún momento, vivió una circunstancia que tenía él. Ahora, si él logra hacer eso o no está en sus hombros. Yo no puedo verdaderamente saberlo. Sí creo que es un líder pragmático.
–Existe una disputa entre Washington, que históricamente buscó erradicar la hoja de coca, y los cocaleros, que defienden su derecho al cultivo de la planta. ¿Cómo está reflejada esta problemática en su documental?
–Más que nada de una manera muy humana. Una de las coprotagonistas de la historia es Leonilda Zurita. El documental entreteje dos historias. Por un lado, tiene la historia personal e íntima de Evo y, por otro lado, tiene a Leonilda, que sirve como guía al mundo sindical cocalero que es la base de poder de Evo. Lo que se ve en el documental es que Evo nace de la violencia estadounidense en la temática de las drogas en Bolivia. Evo es un hijo de la violencia norteamericana que se ha llevado a cabo en la lucha contra las drogas en Bolivia. Para decirlo rápidamente: hay indígenas aymaras y quechuas desparramados por el monte a principios de los ’80 buscando mejorar su calidad de vida plantando coca, que paga quizás un poquito más que una piña o una naranja en la selva del Chapare en Cochabamba. Los norteamericanos deciden resolver su problema de consumo local a través de erradicar la hoja de coca en un lugar remoto. Llevan a cabo una erradicación bastante violenta que causa que esta gente trascienda o se muera. O sea, se empiezan aglutinar, a formar, a educar, a preparar y a organizar. Eventualmente, veinte años después ponen a uno de ellos en la presidencia de la República. Entonces, yo no quiero caer en frases de cajón, pero lo que no te mata te hace más fuerte, que es un poco lo que pasó en este caso. Estas políticas antidrogas de erradicación forzosa en el Chapare llevaron a los cocaleros a organizarse en un sindicato que los ayudaba a sobrevivir y los protegía. Este sindicato quizá nunca hubiese llegado a organizarse si no fuese por la violenta represión norteamericana.

Oscar Ranzani

Publicado en Pagina 12

4 de Febrero de 2007

Entrevista con el director de cine Jorge Sanjinés

2008-06-02T14:35:00.000-07:00

"El poder no quiere entender esa otra Bolivia... "

Uno de los directores cinematográficos latinoamericanos contemporáneos más destacados, el boliviano Jorge Sanjinés, es un agudo testigo crítico de su país. Para él, cine y compromiso social siguen siendo un binomio inseparable. Entrevista exclusiva durante una reciente visita a la sede del Festival Internacional de Films de Friburgo (FIFF), en Suiza.
P: Más de 30 muertos como resultado de las recientes movilizaciones sociales de febrero...otro tanto en las de enero. ¿ Qué está pasando en Bolivia?
R: Estamos viviendo una verdadera insurgencia social, colectiva. Un fenómeno histórico sin precedentes en el mundo y por lo tanto de un significado trascendente. Por primera vez los indios han accedido a una parte importante del poder político. A partir de las últimas elecciones una tercera parte del parlamento, es decir 40 diputados, son indígenas. Hablamos de actores sociales que no abandonan la lucha callejera, los bloqueos de rutas, la movilización en defensa de sus reivindicaciones. Frente a este fenómeno ascendente, se constata la incomprensión estúpida del segmento dominante del poder y de los partidos tradicionales. No quieren ver ese cambio, esa nueva realidad, porque están acostumbrados, desde siempre, a excluir.El poder desprecia a los indios
P: ¿ Una especie de ceguera étnica ?
R: Etnico-cultural. No entienden o no quieren entender esa otra Bolivia. No conocen la cultura histórica indígena. La desprecian. Les sigue pareciendo poco importante. No llegan a visualizar que los indígenas funcionan con otra lógica diferente a la occidental: colectivista, no piramidal, de no respeto a la relación *orden-obediencia*, que nace, emerge y actúa en la base del pueblo.Un dirigente campesino nunca decide solo. Esa hermenéutica de la consulta marca los sindicatos, influyó a la Central Obrera Boliviana, define toda esta dinámica social. Es, sin duda, otra cultura política.P: ¿Se trata, entonces, de la confrontación de dos cosmovisiones antagónicas? R: En efecto. Con un componente esencial en esta nueva forma de hacer política desde abajo: la vigencia de otra ética política. Algo esencial que estaba faltando en Bolivia -y que escasea en muchas naciones latinoamericanas-, asfixiada por altos niveles de corrupción. Hoy los indios le muestran a la sociedad que tienen otra ética. Me permito dar dos ejemplos. Los partidos reciben por ley un financiamiento oficial para la campaña electoral. El Movimiento al Socialismo (MAS), dirigido por Evo Morales, luego de la votación, devolvió al Estado el sobrante que no utilizó. ¡ Jamás visto! Se daba por hecho siempre que los partidos se llevaban todo al bolsillo. Otro fenómeno interesante: varios de los diputados indígenas no disponen de su dieta (salario) que es relativamente grande ya que llega a los 4 mil dólares mensuales. La entregan a sus comunidades y la región dispone el uso colectivo que le dará a ese dinero.Futuro imiprevisible
P: Regresando a esas visiones tan opuestas de sociedad, ¿hacia dónde va Bolivia, cuál es su futuro?
R: Puede ser muy peligroso. En la medida en que se mantenga vigente esa incomprensión de parte del poder seguiremos sufriendo masacres, muertos, alto costo social. No quiero ser tremendista pero el escenario de la confrontación social es marcante en tanto la clase blanco-mestiza no acepte que Bolivia puede ser gobernada por indios. Y es una cuestión de poco tiempo. Es muy posible que en cuatro años, después de las próximas elecciones -siempre y cuando el presidente Sánchez de Lozada aguante todo su período- haya un gobernante indígena en mi país.Sin embargo no podemos anticipar todo. ¿ Quién hubiera imaginado hace sólo cinco años que hoy los indígenas, los campesinos, los partidos por ellos creados, jugarían un rol tan protagónico? Y si el sector dominante no quiere ver la nueva realidad ni aceptará la presencia dominante de los indios en el Estado, los nuevos actores sociales bolivianos tampoco van a renunciar a sus derechos y reivindicaciones. Lo están demostrando cada día...
P: Una mirada retrospectiva nos indica, además, que las luchas sociales que se vienen dando en los últimos dos años en Bolivia tocan ejes muy sensibles del poder : la revuelta de los productores de coca; las luchas masivas contra la privatización del agua y contra el ajuste neoliberal...
R: En efecto. La movilización indígeno-campesina expresa una alta conciencia y claridad propositiva. Los dos partidos que representan esos sectores impulsan propuestas de una gran claridad programática. El resto del parlamento no les escucha. Y ahí está la gente en la calle. Y no sólo por sus reivindicaciones más inmediatas. También con banderas muy claras como el rechazo categórico al ALCA (Acuerdo de Libre Comercio de las Américas).Las dos bolivias que no se entienden
P: De la realidad social a su compromiso personal...¿Cómo sintetiza su vida de realizador cinematográfico ligado desde años al movimiento popular?
R: Doce films, nueve de ellos largometrajes. Dos etapas bien marcadas. Una, hasta 1978 - momento cuando se reinstala la democracia en Bolivia-, tuvo como eje la denuncia. *Sangre de Cóndor*, *El Coraje del Pueblo*; *Fuera de Aquí*, *El Enemigo Principal*; entre otras producciones, se situaban en ese marco, en un momento en que los espacios de crítica estaban muy cerrados y eran casi inexistentes. Después pude dedicarme a tratar temáticas desde una perspectiva más de reflexión. *La Nación Clandestina* para analizar, por ejemplo, el tema de la identidad cultural. *El Canto de los Pájaros*, para tocar el complejo problema del racismo y la discriminación...
P: ¿ Cuál es el rol/desafío actual de los intelectuales comprometidos, en concreto de Usted como figura cinematográfica relevante?
R: Debemos apoyar el proceso de autoreflexión de la sociedad. Me propongo hacer lo antes posible mi próxima película para aportar a ese esfuerzo reflexivo. Quiero tratar ese choque de dos concepciones de vida del que hablaba antes. De las dos Bolivias que no llegan a entenderse, de la exclusión de la mayorías indígenas ansiosas por recuperar su presencia activa en la construcción de la Nación.P: Se siente una cierta preocupación por apurar los ritmos de producción...¿ Una cierta ansiedad?R: ¡Sí! Un poco. Hemos destinado bastante tiempo en instalar la Fundación Grupo Ukamau -sin fines de lucro- y la Escuela Andina de Cinematografía. Pasé casi seis años sin filmar. Y quiero trabajar rápido , aprovechando el espacio democrático actual, sin censura. Me abruma pensar, por ejemplo, que una de mis películas circuló durante la dictadura siete años en el exterior sin lograr el permiso para ser presentada al interior. Debo reconocer, sin embargo, que vivo toda esta etapa con mucha efervescencia, con enorme entusiasmo y alegría por ver al pueblo indígena recobrar sus fuerzas y encaminarse hacia su auto-gestión. Asumiendo a fondo el derecho de gobernar incluso su propio país.

Ping Pong con Sanjinés
¿ Evo Morales?: « un notable joven dirigente con una responsabilidad gigantesca. Lo está haciendo muy bien. Un referente con enorme futuro »
¿Porto Alegre?: « la respuesta que recibe el imperio al imponer políticas extremadamente dañinas para la sociedad humana »
¿ Guerra contra Irak?: « cínica y desmesurada ambición norteamericana para apoderarse del petróleo y controlar toda esa sensitiva región del planeta »
¿ Europa hoy?: « me alegra la conducta de algunos países como Alemania y Francia pero no estoy muy seguro si están realmente contra la guerra o corren detrás de otros intereses »
¿ Nuevo Cine Latinoamericano?: « una explosión de participación. El abaratamiento de la producción -debido a las nuevas tecnologías- pone al alcance de nuchos jóvenes posibilidades enormes. Hoy, talentos emergentes, pueden aportar sensitivamente a la cinematografía.Realidad inimaginable hace un tiempo.
¿ Sanjinés hoy?: El mismo de siempre

Entrevista realizada por Sergio Ferrari de la Revista Rebelión
En enero de 2003

Ciclo de Cine Boliviano

2008-05-31T15:35:00.000-07:00

Programación de Junio 2008

Miercoles 4 de Junio
a las 20 hs

SANGRE DE CONDOR
de Jorge Sanjines
Con los mismos actores de Ukamau la película, denuncia la esterilización de mujeres campesinas por miembros del llamado Cuerpo de Paz, que fue finalmente expulsado de Bolivia, la imagen final muestra a un grupo de personas empuñando armas símbolo de rebeldía y lucha en contra de la opresión y división de clases, claramente reflejada en el film, la gente adinerada viviendo en casas de lujo mientras al pueblo solo le queda la miseria en las villas (laderas), el robo no consumado para poder comprar medicamentos, y finalmente la muerte por falta de comprensión de los médicos.

Miercoles 11 de Junio
a las 20 hs

COCALERO
de Alejandro Landes
Hijo de la guerra norteamericana contra las drogas, un indio aymara llamado Evo Morales, acompañado por una tropa de cocaleros, atraviesa los Andes y el Amazonas en vaqueros y zapatillas, encabezando una contienda histórica para convertirse en el primer presidente indígena de Bolivia.

Miercoles 18 de Junio
a las 20 hs

DEMOCRACIA A PALOS
de Ukhumanta Pacha
El documental denuncia la actitud de los sectores políticos de derecha en Bolivia, que recurren a campañas multimillonarias a través de los medios de comunicación y a grupos de choque para intentar doblegar a los grupos indígenas progresistas. Se denuncian ataques contra casas de trabajadores de la tierra y sedes de centrales campesinas, y se explican las intenciones de grupos derechistas de independizarse de Bolivia y formar la llamada "Nación Camba".

ENTRADA A LA GORRA

Centro Cultural Raices Agrelo 3045
entre Gral Urquiza y La Rioja, Capital Federal

El cine uruguayo se sirve en las rocas

2008-05-18T14:31:00.000-07:00

Es comunicador social, tiene 31 años y supo ganarse un lugar en el nuevo cine rioplatense. El director de Whisky y 25 Watts habla de sus dos películas, renuncia a ser parte de la industria cinematográfica y cuenta qué "política cultural" espera del gobierno de Tabaré Vázquez
Entrevista
Pablo Stoll jura que hace meses se especializa "en el arte de contestar entrevistas". Que esta tarea le impide encarar nuevos proyectos. Que esta tarea lo aburre. Que quede claro: el contacto con la prensa lo aburre y quiere que se note. Hecha la correspondiente aclaración, este montevideano de 31 años se muestra dispuesto a conversar porque hay Whisky de por medio. Se trata de la película –que escribió y dirigió junto a Juan Pablo Rebella– que arrancó aplausos del público, cosechó laureles en los festivales internacionales y consiguió la atención del periodismo. Un trago que Stoll acepta digerir sólo porque viene en vaso redondo y "en las rocas".
Con la reconocida 25 Watts (2001) como antecedente, Pablo y Juan Pablo se convirtieron en los principales referentes del cine uruguayo actual, título que renovaron con creces al presentar su segundo filme. "25 Watts es la primera novia, Whisky es una amante madura", afirma Stoll, en un intento por graficar su romance con la pantalla grande.
Las dos historias transcurren en Montevideo. Las dos historias giran sobre tres personajes principales. En la primera, los directores ponen énfasis en la abulia de los jóvenes de la clase media baja. En la segunda, retratan la rutina y la soledad en la vida de los adultos. "Nunca me puse a pensar en las similitudes entre las dos películas, hasta que vi Whisky terminada", comenta el director y ensaya una explicación: "me parece que quisimos hacer una película sobre otra gente y terminamos haciendo una película sobre nosotros mismos de vuelta".
Stoll y Rebella le imprimen a sus trabajos un ritmo propio basado en la repetición de acciones aparentemente sin sentido y en la exacerbación de la monotonía, un estilo que el director argentino Martín Rejtman utilizó en Los guantes mágicos. Esta película, al igual que Whisky, surgió de la productora Rizoma Films. "Supongo que es una casualidad", sostiene el realizador, aunque aclara que "es un honor" que lo comparen con Rejman. "No considero que (estos rasgos) sean una ‘nueva tendencia’ en el cine. Cada historia tiene su tiempo y su forma de ser contada", afirma Stoll y sostiene que "no existen las películas en las que ‘no pasa nada’. En donde no pasa nada es en los noticieros y nadie se queja."

Historia en Súper 8
Pablo comenzó a trabajar con Juan Pablo mientras cursaba Comunicación Social en la Universidad Católica de Uruguay, de donde egresaron en 1999. Dos años después presentaban 25 Watts y se llevaban el primer premio del festival de Rotterdam. Para Stoll, sin embargo, la relación con el cine empezó de chico, en un cumpleaños infantil, cuando quedó petrificado al ver La Guerra de las Galaxias en Súper 8. Con los años, Stranger than Paradise de Jim Jarmusch, Labios de Churrasco de Raúl Perrone y Punch-Drunk Love de P.T. Anderson, le marcaron la ruta de la realización.
La decisión de dedicarse al séptimo arte llegó a los 17 años, cuando Pablo reconoció que "no sabía dibujar y no podía hacer historietas". Entonces se inscribió en un curso de video en la escuela "Contraplano", donde conoció a Gonzalo Delgado, director de arte y co-guionista de Whisky.
Lejos del Súper 8 y de las historietas, Stoll y Rebella hoy hacen cine en un Uruguay que dejó atrás siglos albirrojos para renovarse con los aires del Frente encabezado por Tabaré Vázquez. En contra del discurso de los cineastas que responsabilizan al Estado por no apoyar la industria cinematográfica, Stoll considera "de pésimo gusto juzgar a los gobiernos por los intereses corporativos de cada uno."
El director de Whisky explica que "en Uruguay se hizo cine sin ayuda del gobierno y supongo que se seguirá haciendo" y volviendo a la gestión de Tabaré agrega: "Me parece que el gobierno tiene que tener otras prioridades que apoyar al cine. La mejor ‘política cultural’ que este (y cualquier) gobierno debería llevar a cabo es permitir a todo el mundo el acceso a la educación".
"Hacer cine en Uruguay es igual de difícil que en cualquier otra parte", explica Stoll, pero se preocupa por remarcar que tanto él como Rebella no están en una "industria". Y cierra: "El fin de hacer películas para nosotros no es vivir de ello. Cuando tengamos otra película para hacer, la haremos".
MilagrosBarberis

Programacion de Mayo 2008

2008-04-25T08:20:00.000-07:00

Ciclo de Cine Uruguayo
Miercoles 7 de Mayo
a las 20 hs
25 Watts
de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll

25 Watts relata la peculiar vida de Javi, Seba y Leche durante un periodo de 24 horas en un tranquilo barrio de la ciudad de Montevideo. Otros personajes tales como un una profesora de italiano, un alocado repartidor de pizzas, un drogadicto, un ex-militar ("milico") paranoico y un aficionado a las películas porno contribuyen a dar color a este filme en blanco negro en 16 mm.

Miercoles 14 de Mayo
a las 20 hs
Whisky
de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll

El dueño de una fábrica de medias le pide a una empleada que se haga pasar por su esposa, ante la llegada de su hermano al país.

CINEMA NOVO - Glauber Rocha

2008-04-12T09:59:00.000-07:00

Miércoles 16 de abril de 2008
a las 20 hs.

Ciclo Cine Brasileño
"DIOS Y EL DIABLO
EN LA TIERRA DEL SOL"
de Glauber Rocha

La historia se desarrolla en el Sertão, una zona donde el terreno es árido, el sol quema sin piedad, y la población vive en la pobreza extrema, siendo explotada por los patrones. Manuel es un campesino que se ha fugado después de haber matado a su patrón explotador. En su huida, se encuentra con Corisco, un cangaçeiro que roba y mata sin motivo aparente y que representa al Diablo, con Sebastião, un santón fanático que predica una rebelión moralista y que representa a Dios, y con Antonio das Mortes, un vengador pagado por personas poderosas que le encomendaron limpiar el Sertão de elementos desestabilizadores como el bandido o el santón, ciertamente no para liberar a Manuel de la opresión sino precisamente para no poner en riesgo la perpetuación de su poder. Cuando Manuel descubre las trampas que le ofrecen Dios y el Diablo, está listo para su liberación
Centro Cultural Raíces
Agrelo 3045
–entre Gral. Urquiza y La Rioja-
TEL: 4931-6157

ORIGENES DEL CINEMA NOVO BRASILEÑO

2008-04-05T09:38:00.000-07:00

Cinema Novo
cinema-tográfico propio para el cine nacional, verdaderamente capaz de reflejar los fuertes problemas sociales y humanos del país. En la búsqueda por afirmar un cine brasilero verdaderamente nacional y popu-lar se criticaba la representación que se hacia del pueblo en las chanchadas y en los filmes de Vera Cruz. Nelson Pereira dos Santos afirmaba que los filmes mostraban una visión desmoralizante y pesimista del pueblo, un pretendido cosmopolitismo, mostraba el desprecio por la realidad que vivía el pueblo; se trataba de un cine simpático a la política imperialista (Revista Fundamentos). Según Alex Viany existía un distanciamiento entre pueblo y cultura al momento de pensar la construcción de un cine nacional. Y Glauber Rocha decía que du-rante muchos años el cine brasilero vivió en una condición de marginalismo in-telectual, en el sentido de ser un cine desvinculado de la cultura brasilera (1965). El crítico Paulo Emilio Salles Gomes presentó en 1960 en la “1ra Convenção Nacional de Crítica Cinematográfica” una tesis que proponía un análisis del cine brasilero a partir de la presencia de la marca cruel del subdesarrollo. Utili-zándose el concepto de alineación el autor analizaba la separación, entre la realidad social que viven los productores culturales brasileros y sus aspiracio-nes a partir de reflejos de realidades sociales situadas fuera de las fronteras de Brasil.
En este contexto un film verdaderamente nacional y popular debía oponerse al “pesimismo de la burguesía y su visión humillante del pueblo” no sólo mostrando los usos y costumbres, sino presentando al pueblo brasilero. El cine popular no era apenas aquel que creaba representaciones a partir del universo popu-lar; este cine adquiría un nuevo sentido en la medida en que también pretende dirigirse al pueblo, y expresar la conciencia de desfasaje cultural entre las diversas clases sociales. Así lo característico del cinema novo era el uso de ele-mentos de la cultura popular como materia prima de un cine popular dirigido al pueblo (Galvão y Bernadet – 1984). Para el cinema novo la realidad debía ser abordada desde un punto de vista nacional y popular. El movimiento encaró la realidad, inicialmente a través de temáticas sobre los sectores marginados, pobres y explotados del pueblo brasilero: el nordeste, la favela, etc. La visión cinemanovista fue (y es) bastante criticada por su carácter político y su intuición particular de lo que era “la realidad”. Ingenuamente esta posición sugeriría, en cierta forma, que la producción anterior al auge del movimiento era de insensibilidad política. Cosa objetada por las palabras de Pereira dos Santos.
En cuanto a la visión de la realidad de las chanchadas no creo que sea necesario decir más. Es verdad que el movimiento presentaba una particular visión política a la que se podrá o no adherir. Pero además el cinema novo define el carácter nacional y popular de sus filmes por medio de la cuestión de la forma, es decir, a través de la búsqueda de un lenguaje capaz de reflejar esa realidad brasilera. Según Paulo Emilio Salles Gomes, un clima intelectual caracterizado por ideas socialistas y la difusión del neorrealismo italiano, condujeron al cine a una representación de la vida popular. El neorrealismo actuó como modelo para el cine brasilero en su ansia de au-tenticidad y su interés de retratar al pueblo y la vida popular. Se filmaba en un ambiente de precariedad, de forma independiente a los estudios: con cámara en mano, en escenarios exteriores naturales, con luz natural contrastada, actores no profesionales, etc. Era el rechazo al aparato técnico de los grandes estudios -copia del modelo norteamericano- , al “cine espectáculo” que ignora-ba las condiciones políticas y sociales en que vivía el pueblo, una producción alienante y de fácil digestión que según el movimiento deformaba la “verdad”.
La estética del cinema novo estaba relacionada al compromiso con la realidad y la concientización del pueblo de sus propias condiciones de vida, la marginación, la pobreza, etc. En oposición a la estética de Hollywood, caracterizada por la belleza y la perfección, con personajes casi siempre sin defectos, personificados por estrellas atractivas, escenarios e iluminación artificiales, etc. Los cinemanovistas defendían en la “no técnica” una manera más fiel de capturar la realidad. Sin embargo, hoy día debe entenderse que cualquier forma de observar y representar la realidad es parte de un proceso de construcción par-ticular y subjetivo. Nadie debiera imponer o pretender que su propia mirada es la única posible, por sobre otros enfoques. No afirmo que esto sea puntualmente a lo que aspiraba el cinema novo, ni intento desmerecer la búsqueda estética del movimiento. Pero creo que hay que pensar este punto para no caer en ingenuidades. Es verdad que en este caso se trató de una visión que quería e intentaba mostrar los problemas y conflictos nacionales sin enmascararlos. Se niegue o no existía un mecanismo de estilización y construcción en los filmes del grupo y en varios casos se utilizaba la palabra “verdad”.
Glauber Rocha afirma en su libro “Revolução do cinema novo”: “En Brasil, el cinema novo es una cuestión de verdad y no de iluminación. Para nosotros la cámara es un ojo sobre el mundo, el travelling es un instrumento de conocimiento, el montaje no es demagogia sino la puntuación de nuestro ambicioso discurso sobre la realidad humana y social de Brasil.” Por otro lado según la profesora Lúcia Nagib, profesora de la Unicamp y de la PUC-SP “En el cinema novo la realidad surgía de la crítica, bajo la forma de alegorías.” Así se explica que los actores de “Vidas secas” no correspondan físicamente a los pobladores del nordeste. El film muestra la difícil vida de una familia nordestina de campesinos pobres. El padre de familia es alto y corpulento, su esposa es gorda y de buen cutis y los niños son activos. En “Deus e o diabo na terra do sol” más allá de que es un film de logrado realismo, hay personajes cuyo lenguaje no es común a ese tipo de persona, existen diálogos estilizados. Los filmes suelen referirse de alguna manera a la situación general del país. Así en la primera etapa del movimiento, el nordeste es tomado como un espacio al que se trasladan problemáticas generales del país. Según Jean-Claude Bernardet (“Brasil em tempo de cinema”, pag. 67) “Vidas secas” es un “verdadero tratado sobre la situación social y moral del hombre en Brasil (...) Fabiano es jefe de una familia constituida como cualquier familia burguesa normalmente organizada: padre, madre, dos niños, un perro de mascota y un papagayo. Los niños juegan con su perro e imitan a su padre en sus quehaceres (...) el padre trabaja y trae el dinero a casa (...)a la madre quedan los trabajos domésticos (...) esa familia no se caracteriza como típicamente nordestina (...) por su organización, relaciones internas y división del trabajo, esa familia puede ser tanto nordestina como de clase media de cualquier centro urbano; puede ser hasta más clase media que nordestina." Bernardet describe tanto en este como en otros filmes el uso de metáforas y alegorías por las que se expresaba el cinema novo. Metáforas, según él, creadas por el intelectual de clase media que asumía el papel de intérprete de la voluntad del pueblo. Se coincida o no con esta visión del autor, la expresión por medio del uso de metáforas y alegorías es algo característico de la producción del cinema novo. Esto se ve con más claridad en las siguientes etapas del movimiento, pero como un procesos a consecuencia de la censura de la dictadura militar. La intención es reflexionar sobre estos puntos tan centrales, dándoles otra óp-tica. Revalorizando la visión del cinema novo y no caer en ingenuidades; como también conocer cuáles fueron las confrontaciones de la época. Es innegable que el cinema novo logró interiorizarse en su momento de cuestiones sociales importantes, a través de una mirada que intentaba comprometerse y ser cohe-rente con los conflictos nacionales; mostrando sectores marginales y proble-máticas que generalmente no eran discutidas en el ámbito cinematográfico. Es verdad que su visión no era una visión total e imparcial, aunque esto no le quita valor al movimiento. Creo que no debe gritarse ni que el cinema novo fuera un cine de, exacerbado, maniqueísta y exclusivo discurso político; ni el caso inverso, de una visión neutra puramente fiel a la realidad.

Publicado en www.cinemanovo.com.ar

CICLO DE CINE BRASLEÑO Miercoles 9 de Abril

2008-04-05T08:57:00.000-07:00

A las 20 horas.

VIDAS SECAS
Director: Nelson Pereira Dos Santos

Vidas secas narra la historia de una familia –Fabiano, su mujer, la sinhá Vitória, y sus dos hijos- en el sertao de los años cuarenta. Realizado en una época de gran agitación política y social, en vísperas del golpe de estado que iba a instaurar la dictadura militar en Brasil, es uno de los títulos mayores del cine latinoamericano.
Entrada a la Gorra

Invita Grupo Documental 1º de Mayo

Agrelo 3045
–entre G. Urquiza y La Rioja (a 5 cuadras de Pza. Once)-
TEL: 4931-6157

Entrevista a Andres Wood

2008-04-01T16:43:00.000-07:00

Andrés Wood, director de Machuca

"El clasismo hoy es más exacerbado que en esos días"
Tras el estreno más exitoso de la historia del cine chileno, el director de Machuca, Andrés Wood, conversó con Nuestro. cl sobre algunos aspectos de idiosincrasia e identidad. Dejó claro que es la sensibilidad infantil la que determina la mirada al conflictivo período de 1973 que narra la película, y así como ésta no pretende ofrecer una versión oficial, tampoco abusa del glamour de los elementos de la época hippie. En cuanto a la sociedad chilena, aseguró que hoy es más clasista que entonces.
Por Rosario Mena

Como un nuevo hito en el cine chileno se levanta la recién estrenada película de Andrés Wood, Machuca. Al menos hay dos razones para ello: la primera es la calidad de la actuación, la dirección, el rigor de la realización, la producción, la ambientación. La segunda es la habilidad para emocionar ampliando la percepción y los registros de un período de nuestra historia reciente cargado de estigmas y estereotipos. La vivencia de Pedro Machuca (Ariel Mateluna), un niño de escasos recursos en un colegio del barrio alto, en donde traba amistad con Gonzalo Infante, encarnado por Matías Quer, recrea la experiencia de integración llevada a cabo en el colegio Saint George, de la cual Wood fue partícipe, en los meses que anteceden al golpe militar de 1973. La subjetividad de la mirada de los niños sustenta el enfoque no político de la situación social del país, que Wood ha defendido ante los aislados resquemores que la cinta, masivamente elogiada, ha provocado en algunos sectores. La sobriedad y la coherencia de los elementos históricos y de ambientación; la maestría para rescatar escenas entrañables del imaginario colectivo; la tecnología digital aplicada para borrar las huellas del paso del tiempo que ha transformado a la ciudad de Santiago, son algunos de los factores que hacen de Machuca no sólo una de las grandes superproducciones del cine chileno, sino también una interesante ventana desde donde indagar en nuestra identidad cultural.

- ¿Es esta tu película más importante en términos personales? En el sentido de involucrar más libremente tus recuerdos, tu imaginario infantil, tu manera de percibir la realidad, tus emociones?
- Sí y no. Todas las películas uno tiene que apropiárselas en términos personales. Lo que sí tiene Machuca, que es un regalo independiente de la historia que se cuente, es que una fibra muy personal, no necesariamente mía, atraviesa toda la película.
- La experiencia del colegio y el contexto de la película son una muestra de la idiosincrasia chilena en general. ¿Qué tanto ha cambiado esa idiosincrasia, en cuanto a los modos de hablar, de relacionarse, de ejercer el clasismo o las costumbres en general?
- El cambio más relevante es que las relaciones reales intersociales son cada vez más escasas, y por lo tanto el clasismo es más exacerbado que en esos días. Lo demás no ha cambiado tanto.
- En cuanto al rescate histórico, ¿contrastaste datos, en qué fuentes te basaste?
- Mé basé en la memoria subjetiva, en el relato oral y también en libros, diarios, televisión y documentales. La idea nunca fue hacer la versión oficial de esos años.
- En cuanto a la ambientación, ¿cómo definiste el paisaje urbano de la época, con fotos, con documentos? ¿Qué cosas fueron las más difíciles de lograr?
- Me basé en las mismas fuentes, pero la idea fue siempre que nada nos sacara de los personajes. Es muy tentador llenar de música, modas e íconos de la época. Evitamos ese protagonismo.

Agosto 2004

- Toda la información sobre la película en
http://www.machucacine.cl/
- El Chile en 35 mm de Andrés Wood.
- Diez razones para ver Machuca

Miercoles 2 de abril de 2008

2008-03-29T10:44:00.000-07:00

Ciclo "Cine Chileno"

MACHUCA
Director: Andres Wood

Ambientada en 1973, la trama gira alrededor de dos niños de 11 años, a quienes separa más la condición social que la distancia física de sus respectivos hogares.
Pedro Machuca vive en una casa humilde instalada en una villa miseria de Santiago, mientras que Gonzalo Infante proviene de un hogar de clase alta.
La iniciativa del padre McEnroe, director de un colegio religioso, de integrar chicos pobres en una institución privada hará que converjan los destinos de ambos niños. El crecimiento de una incipiente amistad se verá amenazado a partir de los trágicos eventos
del 11 de setiembre de 1973.
Entrada a la Gorra

Agrelo 3045 –entre G. Urquiza y La Rioja

(a 5 cuadras de Pza. Once)-
TEL: 4931-6157

Mi mejor enemigo Coproduccion Argentino-chilena

2008-03-29T10:03:00.000-07:00

Mi mejor enemigo es el segundo largometraje de Álex Bowen, uno de los jóvenes realizadores más importante de la nueva generación de cineastas chilenos. Esta película es la candidata de su país a los premios Goya 2006 y viene precedida por éxitos de crítica, público y premios.

Ha sido vista en Chile por más de 120.000 espectadores y entre su palmares cuenta con:

• Segundo premio del público Festival Elcine de Lima 2005

• Mejor largometraje Chileno Festival de Valdivia 2005

• Mención Honrosa del público, Festival de Cine Latinoamericano de Los Angeles 2005

Recientemente ha sido la película ganadora del XIII Festival de Cine de España y América Latina de Bruselas. El certamen, donde se proyectaron casi 90 películas de España e Iberoamérica, tiene dos jurados distintos: uno para evaluar las películas españolas y otro para las cintas latinoamericanas.
Álex Bowen comenta que le interesó hacer una película sobre el conflicto con Argentina en 1978 que estuvo a punto de llevar a ambos países a una guerra. “Este tema me surgió en Punta Arenas (la ciudad más al sur de Chile, puerta de entrada a la Patagonia). Resulta que en esta zona tienen campos minados, trincheras hasta hoy y eso me impactó mucho. Luego conversé con habitantes de la zona que me sorprendieron con las historias que contaban. Se me ocurrió poner un anuncio en el diario, llamando a soldados que habían estado en trincheras. Gracias a esto aparecieron las anécdotas, los dramas y el humor tan chileno y argentino”.

La película es una co-producción chilena-argentina-española en la que participan: Alce Producciones (Chile), Matanza Cine (Argentina) y Wanda Visión (España).

2008-03-23T17:16:00.000-07:00

Ciclo de Cine Chileno

Miercoles 26 de Marzo
a las 20 horas.

Mi mejor enemigo
de Alex Bowen Caranza

Diciembre 1978. Chile y Argentina están a días de comenzar un enfrentamiento armado en la frontera sur. En la Patagonia, una patrulla chilena rompe accidentalmente su brújula y se pierde en la inmensidad de la pampa. Cavan sus trincheras en algún lugar sin saber si es Chile o Argentina. Comienza una larga espera que interrumpirá una patrulla argentina que se instala frente a ellos

Entrada a la Gorra

Invita Grupo Documental 1º de Mayo

Agrelo 3045 –entre G. Urquiza y La Rioja (a 5 cuadras de Pza. Once)-
TEL: 4931-6157

2008-03-17T15:09:00.000-07:00

ENTREVISTA A NELSON VILLAGRA.
Actor de EL CHACAL DE NAHUELTORO

Héctor Vega: Se dice que cuando Jorge del Carmen Valenzuela fue fusilado era otro hombre. Tu conociste su historia, es más, la llevaste al cine, ¿Cuál es tu impresión? Porque después de todo el arrepentimiento que recoge la crónica es parte de otro hombre, no el que asesinó a una mujer y sus cinco hijos.

Nelson Villagra: Me resulta extraño contestar todavía preguntas referidas a un personaje que representé en un film hace 39 años en Chile, Jorge del Carmen Valenzuela Torres. Sin embargo como particularmente en Chile, el film de ficción que hicimos en 1968 sobre “la infancia, andar, regeneración y muerte” de Jorge, tuvo y mantiene un impacto emocional singular en los espectadores, por una u otra razón he estado hablando de él.

Jorge del Carmen malvivió escasamente hasta los 23 años, edad en la que fue fusilado bajo el triste apodo de El Chacal de Nahueltoro. Fusilado por haber asesinado bajo los efectos del alcohol, a una mujer, su conviviente ocasional, y a los cinco hijos pequeños de ésta, incluido un bebé. Solamente recordar todo eso me da escalofríos, y activa mi compasión por víctimas y victimario.

Pero también es extraño que dicho personaje se haya transformado al correr de los años en un “mediador” milagroso para las personas de fe, en el pueblo de San Carlos [provincia de Ñuble-Chile] y sus alrededores. Son miles las personas en esa región que ante el nicho de Jorge del Carmen en el Cementerio del pueblo se han encomendado a él y hoy le agradecen “los favores recibidos”. Son tantas las placas de agradecimiento que testimonian su acción “milagrosa” que tuvieron que cerrar los nichos contiguos para hacerle sitio a los agradecimientos. De este modo la película sobre la vida de Jorge del Carmen Valenzuela Torres, trascendiendo su ámbito artístico – o quizás por ello mismo, siéndolo - se inscribe en un fenómeno político, social y religioso.

Como sabemos, por una tradición cultural de la humanidad que se pierde en los tiempos, a determinadas personas que mueren violentamente y/o bajo martirio se les atribuye una energía espiritual peculiar después de su muerte, creencia que resulta benefactora para quienes se encomiendan a esas personas. Jorge es una de ellas. Un muchacho que logró una transformación radical en la cárcel, asunto que el film testimonia fielmente: el hombre que fue fusilado luego de dos años de proceso, no fue el mismo analfabeto y alcohólico que cometió el séxtuplo homicidio.

H.V: Supongo que Valenzuela era un hombre rudo, analfabeto, quizás huérfano [no lo sé] y con pocos afectos en su vida. Un personaje de gestos y palabras escasas donde el alcohol desplomaba barreras y desataba violencias.
¿Cómo pudo entonces operarse un cambio en un medio como la Peni donde el asedio es algo vivo y permanente?

N.V: Eloy Parra, un sacerdote joven en aquel tiempo, asistió a Jorge mientras éste estuvo en la cárcel los dos años y tanto que duró el proceso. Y fue a través de los valores de la religión católica que Eloy Parra logró brindarle consuelo a Jorge, al mismo tiempo, podríamos decir, le creó una “nueva conciencia”, una conciencia ciudadana en la que además, y principalmente, apareció el pecado, el castigo y la salvación a través de la fe y el arrepentimiento.

Jorge, desde el punto de vista afectivo comprendió en la cárcel que no estaba solo después de todo – como toda su vida -, había alguien más grande que él, un ser divino y eterno que lo acogería en su seno y lo protegería por siempre después de la muerte. Si tales ideas han calado hondo en millones de personas por más de 2000 años, ¿cómo no iban penetrar profundamente en un hombre analfabeto que había vivido como un perro callejero por los caminos, y que estaba allí en la cárcel más desvalido que nunca acercándose cada día a la muerte? Como actor, yo comprendí ese proceso, fue mi “interpretación” del personaje, mi percepción intelectual, e intenté “actuar” esa emoción [yo no soy un hombre de fe religiosa], ese salto cualitativo que para mí significa la fe.

H.V: ¿Cómo vivió los fantasmas de su crimen? Tuvo miedos con apariciones fantásticas o se encerró en un fatalismo donde lo que sucedió tuvo que suceder. El fin, su fusilamiento ¿lo vivió como un castigo necesario o una liberación?

N.V: Aunque nuestra conciencia sea muy rústica, al parecer hay un instinto perteneciente a la especie humana que necesita de atenuantes que nos disculpen ante los demás y sobre todo ante nosotros mismos. Nadie acepta su culpa o responsabilidad en primera instancia sin intentar algún atenuante. En la cárcel – conviví dos meses con los reos mientras filmaba la película –, en el peor de los casos, cuando todas las pruebas corroboraban la responsabilidad del reo, el último atenuante y el más corriente con el que querían justificarse en mis conversaciones privadas con ellos, era: “se me metió el diablo, no fui yo”.

Así mismo, Jorge, todavía en la entrevista que logró hacerle un periodista la noche anterior a su fusilamiento [estando Jorge “en capilla”], éste intenta atenuar su culpa atribuyendo su crimen “al alcohol, y más de eso, no haber tenido enducación de naiden, ninguna cosa…”. Era una justificación atendible, porque además ese argumento sostenía su ego, evitaba las pesadillas, había evitado la angustia de enfrentar su imagen buscando a los niños entre los matorrales durante tres horas, “pa mataloh”.

En mi trabajo de actor, intentando la aproximación a la interioridad de Jorge, comprendí que éste no reconoció su responsabilidad, no la asumió plenamente como “su verdad” hasta que Dios penetró su alma. Jorge entreabrió las puertas de su corazón a la fe por primera vez – en el film, es mi interpretación –, cuando en una misa que hace el cura Parra al interior de la cárcel aquél recibe la hostia. Sin embargo sentí que Jorge recibió en plenitud a Dios – el actor puede manejar estas cosas, es extraño pero es así – a partir de la última conversación con don Eloy, la noche anterior a su fusilamiento. Esa noche Jorge del Carmen siente que la caridad humana no llegará a través del indulto presidencial. Y entonces pensé cuando filmaba aquella secuencia que él no era el primero ni el último ser humano que en sus últimos momentos buscaba refugio en Dios, ese ser que para las personas de fe, está más allá de ellas y que racionalmente es inalcanzable. Mirado desde fuera - desde fuera de la fe quiero decir, no soy creyente -, resulta triste que Dios se revele en alguien para “bien morir”. Pero, claro, Jorge necesitaba desesperadamente creer, y yo como actor también, para actuar la escena.

H.V: ¿Se reflejó todo esto en sus últimos momentos en esta Tierra? Cuando el cura Eloy Parra lo acompaña, ¿hubo algún gesto? ¿Alguna palabra? ¿Qué se reflejó cuando afrontó al pelotón?N.V: Pienso que en las últimas secuencias del fusilamiento en el film, se ve claramente que Jorge se entrega a la muerte humildemente, disciplinadamente. Pero también con una cierta heroicidad, está consciente del interés mediático que ha despertado su caso. Quiere morir “sin chistar, porque sería feo”. Es un hombre que ha asumido su culpa, su pecado, y debe pagarlo. Lucha por mantener la esperanza en la caridad divina. Sin embargo no es un santo que va al martirio, inspirado, sino un ser humano. Hombre de fe, es cierto, pero lleno de incertidumbres.

H.V: ¿Por qué aceptaste representar al personaje? ¿Lo que el Director esperaba de ti se correspondía con lo que tú entendías sobre la historia misma y el personaje?

N.V: El fusilamiento de Jorge fue en 1963. La película se filmó el 68. El crimen de “El Chacal de Nahueltoro” fue un caso que llenó por meses las primeras páginas de diarios, revistas y radios. Quiero decir que yo estuve perfectamente informado del suceso, y mi opinión, con algún matiz – no tuve intenciones de lincharlo por ejemplo -, no se diferenciaba mucho de quienes condenaban el horrible crimen. Y antes que fuera fusilado, luego de dos años y ocho meses después de haber cometido el crimen, mi opinión tampoco varió mucho de quienes “condenábamos” el ajusticiamiento. Es decir, igual que la mayoría de los ciudadanos, estuve de acuerdo en fusilarlo primero, y luego estuve a favor de castigarle solamente con pena carcelaria, preso una cantidad de años que le hubieran permitido en el futuro una segunda oportunidad en la vida. Aunque ¿quién hubiera sido capaz de darle esa segunda oportunidad? El Mal que hayas hecho, socialmente, siempre te marcará más que el Bien que hayas procurado.

En fin, esa transformación de actitud que el caso de Jorge provocó en millones de personas - también en mí -, lo convertía en un personaje muy interesante para un actor. No solamente el personaje sino además las circunstancias o contexto social que rodeaban el caso. Ayer como hoy, la marginalidad económica y social era un mal lacerante de nuestra sociedad. El jurista y profesor de Derecho don Eduardo Novoa había polemizado al interior de la Universidad de Chile sobre la “justicia de clase”, poniendo como ejemplo el caso de El Chacal de Nahueltoro [fue el motor inspirador para hacer la película]. Luego más tarde don Eduardo publicaría dicha argumentación en la revista Mensaje, tal vez a principios de 1970. Con el director del film estuvimos de acuerdo desde el primer momento, sobre el tratamiento del personaje y del film: no haríamos un distanciamiento crítico del caso, sino un acercamiento emocional, buscando la identificación del espectador con el personaje. Se trataba de hacer “sentir” al espectador la injusticia de la justicia de clase.

H.V: ¿Cómo viviste la filmación? ¿Tenías todo resuelto cuando comenzó o el personaje se fue desarrollando a medida que transcurría la filmación? ¿Tuviste en algún momento la impresión que se buscaba un equilibrio entre la venta del producto [el film] y lo que tú como actor esperabas que se hiciera?

N.V: Evidentemente el personaje se fue desarrollando durante la filmación. Sin embargo, felizmente – creo que fue al término de la primera semana del rodaje - me llevaron una cinta magnetofónica con la última entrevista que le hicieran a Jorge del Carmen, estando en capilla, lo que he mencionado más arriba. Esa cinta fue para mí una revelación, una revelación emocionante. Me sentí tan identificado con Jorge escuchándole hablar que desde ese día no supe distinguir entre YO y ÉL.

Por otra parte la filmación se hizo a pulso, literalmente. Comiendo sanguches de pan francés con sardinas de lata. Dos citronetas de los miembros del equipo a las cuales se les pagaba la bencina. Cámara y modesto equipo de filmación aportado por lo que era Cine Experimental [departamento de cine de la U. de Chile]. Casa de campo prestada por el dueño del fundo Nahueltoro, lugar donde sucedieron los hechos. Allí en esa casa alojamos el equipo durante el rodaje de los exteriores. Colaboración importantísima de la familia campesina que representó a la familia de Rosa, la mujer conviviente de Jorge. Luego la Escuela de Agronomía de la U. de Concepción nos prestó algunos dormitorios mientras rodamos en la cárcel de Chillán. Fundamental colaboración de los funcionarios de la Cárcel de Chillán y los reos. Colaboración también importante de la Pentenciaría de Santiago.

Héctor Noguera, el actor, recibió una herencia por aquellos años y eso permitió contar con algún dinero contante y sonante para los gastos diarios. En ningún momento recuerdo que el equipo pensara en el posible resultado económico del film. Eran otros tiempos, 1968.

H.V: Si en Valenzuela hubo un cambio: ¿Hubo en ti un cambio? Porque supongo que durante la filmación hubo siempre un diálogo entre ti y el personaje. Diálogo que nunca compartiste con el resto del elenco, pues era algo tuyo. Algo así como cuando hablan privadamente Valenzuela y Villagra [“Dime la firme Valenzuela… ¿admites que la cagaste?”]. Lugar donde no caben otros interlocutores, ni siquiera el Director. Imagino que todo eso o es lo que sucedió. ¿Ó…? A todo eso yo llamo la reconciliación con el personaje. ¿Hubo tal reconciliación?

N.V: Puedo precisar que me reconcilié con Jorge desde un comienzo, cuando le creí – porque lo comprendí – durante la reconstitución del crimen. El Juez le pregunta:
“¿Y por qué mataste a los niños, hombre…?”“Pa que no sufrieran los pobrecitos…”

Jorge, había salido de su rancha a los 8 años de edad, por los caminos…, luego que mataran a cuchilladas a su padre, y la viuda “se puso a hacer vía…, con un hermano de mi padre…” Tú habrás oído decir que en el campo, cuando no hay alimento para las nuevas crías de una camada de perros o gatos, se les mata, para que no sufran los pobrecitos.

Mi profesión de actor, y el propósito del film, me indicaba que yo no debía ni justificar ni condenar ni perdonar a mi personaje, sino comprenderlo.

¿Y en cuanto a que el personaje y/o esa película [1968], provocaran algún cambio en mí? Aparte de una serie de lecciones artísticas y humanas…, pues sí, hubo un cambio, en el sentido que me reafirmó la necesidad de cambiar el mundo. Necesidad que se hace cada vez más evidente. Quizás no hubiera valido la pena hablar hoy de quien los titulares periodísticos de la época apodaron El Chacal de Nahueltoro, si no supiéramos que todos los días en Chile y en el mundo siguen naciendo miles de niños con un destino similar; es el valor social del film, además del valor artístico y su valor moral-religioso.

Pese a todo, y habiendo sentido como actor que comprendí a Jorge, ni ayer ni hoy [2007] he justificado su horrendo crimen, hubo seis víctimas inocentes. Sin embargo, sabiendo que Jorge del Carmen finalmente creyó encontrar su salvación en la fe, pienso que “el arrepentimiento y la verdad fueron su redención”. Lo escribí en una placa que coloqué en su nicho del Cementerio de San Carlos en septiembre 2003.

* Nelson Villagra es actor. Vive actualmente en Montreal, Canadá.
Es Premio Municipal de Arte 2004, Mención Teatro, que otorga Santiago.

Publicado en www.fortinmapocho.com

2008-03-16T18:39:00.000-07:00

El cine latinoamericano
(Brevisima historia)
Los países latinoamericanos fueron recibiendo al Cinematógrafo al igual que en el resto del mundo, a finales del siglo XIX. Las circunstancias sociales, económicas y políticas marcaron con los años su progreso cinematográfico, en el que tanto tuvieron que ver los promotores españoles, franceses e italianos como la presencia de las películas estadounidenses en sus pantallas. Muy pronto el mercado de cada uno de los países comenzó a estar controlado por el cine de Hollywood. No obstante, esta situación no impidió que en diversas épocas floreciesen aportaciones que mostraron la singularidad de la producción latinoamericana, que se apoyaría a lo largo del tiempo y en gran medida en la coproducción entre países de habla hispana.
Quizás esta situación es la que provocó que en la producción de las primeras películas habladas en español, Hollywood contratara a numerosos profesionales (Ramón Novarro, Lupe Vélez, Dolores del Río, Antonio Moreno, José Mojica, Carlos Gardel, entre otros) con el fin de que realizaran e interpretaran las versiones destinadas a dichos países. Esto no impidió que entre 1929 y 1931 se produjeran las primeras películas sonoras en México, Brasil o Argentina; en otros países, las primeras producciones sonoras locales se darán a conocer más tarde (1932-50). Durante la década de los cuarenta es el cine mexicano el que alcanza una mayor notoriedad internacional gracias a las películas de Emilio Fernández "El Indio" (y la colaboración en la fotografía de Gabriel Figueroa) y la presencia de notorias estrellas como Dolores del Río y Pedro Armendáriz (Flor silvestre y María Candelaria, 1943), y María Félix (Enamorada,1946; Río escondido, 1948). También se encuentran las obras de Fernando de Fuentes (El compadre Mendoza, 1933; Allá en el Rancho Grande, 1936; Jalisco canta en Sevilla, 1948, ésta con Jorge Negrete y Carmen Sevilla -primera coproducción hispano-mexicana tras la llega al poder en España de Francisco Franco), y otras de Alejandro Galindo, Julio Bracho y Roberto Gavaldón. Son años en los que despunta el actor Mario Moreno "Cantinflas" quien, con su verborrea, se encargará de consolidar su popularidad nacional e internacional y arrasar en taquilla durante unos años con películas como Ahí está el detalle (1940), de Juan Bustillo Oro, y la numerosas películas que dirigió Miguel M. Delgado (El gendarme desconocido, 1941; Sube y baja, 1958;
El padrecito, 1964). Y también es notoria la presencia de los españoles Luis Buñuel, director de películas como Abismos de pasión (1953) y Los olvidados (1950) , entre otras, y Carlos Velo, quien dirigió un excelente documental, Torero (1956), y Pedro Páramo (1966). A partir de los setenta, su director más internacional será Arturo Ripstein (Cadena perpetua, 1978; Principio y fin, 1992; La reina de la noche, 1994), premiado en diversos festivales internacionales.
El cine argentino se sostiene con dificultad sobre las películas de Lucas Demare (La guerra gaucha, 1942), Luis Cesar Amadori (Santa Cándida, 1945), Hugo Fregonese (Donde las palabras mueren, 1946) y actrices como Libertad Lamarque, sin olvidar la extensa filmografía de Leopoldo Torres Ríos (Adiós Buenos Aires, 1937; El crimen de Oribe, 1950) y la aportación de su hijo Leopoldo Torre-Nilsson (La casa del ángel, 1956; Los siete locos, 1973). También circula por ciertos circuitos el trabajo de Fernando Birri (Los inundados, 1961). En las décadas siguientes serán directores como Héctor Olivera con La Patagonia rebelde (1974) o No habrá más penas ni olvido (1983), Adolfo Aristarain (Tiempo de revancha, 1981), Eliseo Subiela (Hombre mirando al sudeste, 1986), Fabián Bielinsky (Nueve reinas, 2001) y Juan José Campanella (El hijo de la novia, 2001) los que proyecten la creación argentina hacia el exterior.
El cine brasileño tiene un punto de partida singular en Límite (1929), de Mário Peixoto, sugerente y marcada por las vanguardias europeas de los veinte. Pero también cuenta con la importante película Ganga bruta (1933), de Humberto Mauro, y O Cangaçeiro (1953), de Lima Barreto, referentes ineludibles para los jóvenes de los sesenta, que tendrán en Glauber Rocha al máximo exponente internacional. Durante varias décadas será Nelson Pereira Dos Santos quien dirija algunos de las historias socialmente más interesantes (Río, quarenta graus, 1955; Vidas secas, 1963).
La Revolución Cubana definió la trayectoria de diversas cinematografías latinoamericanas. En su país destacaron, además de un extenso elenco de documentalistas, Tomás Gutiérrez Alea (Memorias del subdesarrollo, 1968; Fresa y chocolate, 1993), Humberto Solás (Lucía, 1968; Cecilia, 1981) y Manuel Octavio Gómez (La primera carga al machete,1969).
En el cine chileno sorprendieron las películas de Raúl Ruiz (Tres tristes tigres, 1968), realizará la mayor parte de su obra en Europa, de Miguel Litín (El chacal de Nahueltoro, 1969; Actas de Marusia, 1976) y Helvio Soto (Voto más fusil, 1971).
El cine peruano tiene en Francisco Lombardi su máximo representante desde 1977, con películas polémicas como Muerte al amanecer (1977) y Muerte de un magnate (1980), por basarse en hechos reales, varias adaptaciones literarias de desigual acierto (La ciudad y los perros, 1985) además de dirigir proyector internacionales como No se lo digas a nadie (1998).
El cine venezolano está representado por Roman Chalbaud con El pez que fuma (1977) y La oveja negra (1987)
El cine boliviano por Jorge Sanjinés con El coraje del pueblo (1971)
Y el cine colombiano por Sergio Cabrera con películas como Técnicas de duelo (1988) y La estrategia del caracol (1994) y Víctor Gaviria con La vendedora de rosas (1998).

2008-03-16T16:38:00.000-07:00

MIGUEL LITTIN
Palmilla, Chile1942 -
Realizador, guionista y escritor, de 1959 a 1962 realiza estudios de arte dramático y escenografía en la Universidad de Santiago de Chile. A finales de 1962 colabora con el prestigioso realizador holandés Joris Ivens en Valparaiso y El tren de la victoria antes de ser nombrado director del canal 9 de la televisión chilena. Su primer documental, Por la tierra ajena (1965), obtuvo una mención especial en el IV Festival Nacional de Cine Viña del Mar.
En 1968 ejerce como profesor del departamento de Estudios Audiovisuales de la Universidad de Chile y realiza su primer largometraje de ficción, uno de los filmes más relevantes de la cinematografía chilena y latinoamericana: El chacal de Nahueltoro.En 1971 el gobierno de la Unidad Popular le nombra presidente de Chile Films, institución destinada a dirigir la actividad cinematográfica del país. Dos años más tarde el golpe de estado de Pinochet le obliga a marcharse del país. Entre 1974 y principios de los años 90 vive en México y en España. En 1986 viaja a Chile y filma clandestinamente el documental Acta general de Chile, el cual concluye en España. Luego, regresa definitivamente a Chile.Galardonado con numerosos premios internacionales, Littin ha sido nominado dos veces al Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Actas de Marusia (1976) y Alsino y el Cóndor (1983).Miguel Littin también es autor de numerosas piezas teatrales entre las que se encuentran "Raiz cuadrada de tres", "Y me muero de amor por tus palancas" y "La mariposa debajo del zapato".

FILMOGRAFÍA

Documental
1965. Por la Tierra ajena
1971. Compañero presidente
1974. Crónica de Tlacotalpan
1986. Acta general de Chile

Ficción
1968. El chacal de Nahueltoro
1972. La Tierra prometida
1975. Actas de Marusia
1978. El recurso del método
1980. La viuda de Montiel
1982. Alsino y el cóndor
1989. Sandino
1994. Los náufragos
1999. Tierra del Fuego

Ciclo de Cine Chileno

2008-03-16T15:36:00.000-07:00

Miércoles 19 de Marzo de 2008

El Chacal de Nahueltoro
de Miguel Littin
Basado en un suceso real acaecido en la región sureña de Chillán (Chile) en 1960, relata la historia de un campesino analfabeto que, en estado de embriaguez, asesinó a la mujer con quien mantenía relaciones y a sus cinco hijas.

Entrada a la Gorra

Invita Grupo Documental 1º de Mayo

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